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El próximo 29 de marzo se estrena “Las invisibles” – por Montse Delgado

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Una realidad social.

El próximo 29 de marzo se estrena “Las invisibles”, un film de origen francés que es una adaptación del libro de Claire Lajeunie “Sur la route des invisibles femmes dans le rue” y dirigida por Louis-Julien Petit.

Una decisión del ayuntamiento, obliga a cerrar un centro de acogida para mujeres que se encuentran en la calle. A las trabajadoras sociales del centro tan sólo les han dado tres meses de tiempo para rehabilitar a todas esas mujeres. A partir de ese momento… todo está permitido: mentiras, enchufes… Porqué ellas se lo merecen.

Este film está calificado como comedia, no obstante y a pesar de que tiene algún punto que te hace reír, es más un drama y una realidad social.
Ves la injusticia por parte de las grandes entidades y  lo grandes que son los corazones de las personas y hasta donde estamos dispuestos a llegar para ayudar a los más desfavorecidos.
Una tragicomedia acercándose a un documental por la veracidad de las circunstancias y las adversidades.

Personalmente y aunque no soy demasiado fan de las películas francesas, puedo decir que salí satisfecha y esperanzada del cine

Reparto: Fatsah Bouyahmed, Marianne Garcia, Audrey Lamy, Déborah Lukumuena, Noémie Lvovsky.

Lo mejor: La superación y la lucha de las mujeres.
Lo peor: Nada destacable.

Montse Delgado

 

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Mediapro Polar Star Films presentan “Me llamo Violeta”, un film dirigido por David Fernández de Castro y Marc Parramon.
Será presentada por primera vez en público en este festival de cine de Málaga y cuentan con que se estrene aproximadamente hacía los alrededores de Junio.


Violeta, una niña de 11 años lleva una vida normal dentro de una familia acomodada con unos padres amorosos. No obstante, no siempre ha sido la niña que es ahora, ya que nació siendo un niño.
A los 6 años desorientó a sus padres, los famosos actores de cine de adultos, Nacho Vidal y Franceska Jaimes, al decirles que se quería llamar y vestir como una niña.
A pesar de la conmoción inicial, deciden acompañarla en el largo y arduo camino que la llevará algún día a convertirse en mujer. Violeta se tendrá que enfrentar a muchos desafíos, tanto médicos como legales.


Este documental, también cuenta la terrible historia de unos padres Esther y Xavi, de Rubí (Barcelona) que perdieron a su hijo Alan, un adolescente transexual, suicidándose por sufrir acoso escolar. Tras este trágico infortunio, se convierten en activistas, uniendo fuerzas y superando luchas diarias para mantener viva la memoria de su hijo, junto a Iván, amigo de Alan y también transexual.
Afortunadamente, la impresión social de las personas transgénero, en las últimas décadas, se vuelto más abierta y tolerante.
Los directores han querido entrelazar historias de otros personajes trans, como la de Silvia Reyes que, fue encarcelada bajo la dictadura de Franco por travesti, o la de la ex actriz Carla Delgado, que pasó de activismo a la política para, contribuir a normalizar el fenómeno del transgénero infantil.
David Fernández de Castro y Marc Parramon han realizado este film con especial sensibilidad y emotividad, alejándose por completo de la parte morbosa y truculenta.

Lo mejor: Una invitación a modo de aprendizaje para que aprendamos a mirarnos como personas, independientemente del sexo que seamos.
Lo peor: Absolutamente nada que decir.

Montse Delgado

“Dantza” abrió el Festival del cine vasco en Barcelona – por Haizea Etxebarria Compes

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Zinemaldia.cat: Festival del cine vasco en Barcelona

El 14 de marzo arrancó una nueva edición del Zinemaldia.cat, el festival que acerca el cine vasco a Barcelona. En este caso, se podrá disfrutar de una variedad de películas de ficción como de documentales, hasta el 17 de marzo en los Cinemes Girona.

Para más información, podéis consultar la cartelera en el siguiente enlace:

http://www.euskaletxea.cat/zinemaldia/?page_id=132

Dantza

Nos encontramos ante una película atípica, diferente y sobre todo muy especial. Es una oda a lo ancestral, a la conexión con la naturaleza y a la supervivencia de un pueblo, de una cultura, de una tradición. El director Telmo Esnal, une en esta maravilloso largometraje sus dos grandes pasiones: la danza tradicional vasca y el cine. Uniendo fuerzas con el investigador y antropólogo Juan Antonio Urbeltz y el escultor Koldobika Jauregi, realizan un documento en el cual, la historia llega al espectador sin necesidad de la palabra hablada, únicamente mediante la fuerza de la transmisión de la danza, la música y el cine.

El objetivo era crear una película bella, crear un documento en el que se inmortalizaran los bailes tradicionales vascos y acercar a la gente la danza de una forma diferente, más cercana y atractiva, y sin ninguna duda lo han conseguido.

Desde el punto de vista cinematográfico, la fotografía es espectacular, el espectador es capaz de oler la lluvia, sentir el agua en los pies mientras los dantzaris bailan y acariciar la piedra con las palmas de las manos. Nos adentramos en la historia mediante la suma de unos 21 bailes tradicionales diferentes que nos hacen viajar, gracias a las investigaciones de Urbeltz, a sus lugares de origen: desde la aridez de las Bardenas a la explosión de color de las montañas de Gipuzkoa. La música en conexión directa con las imágenes, crea un ambiente atmosférico e hipnótico que impide al espectador incluso pestañear.

Respecto a los actores, es importante destacar que trabajan hasta 250 dantzaris, que como en el caso de la danza tradicional vasca no existen dantzaris profesionales, son gente de la calle que disfruta bailando y lo muestra claramente en la película. Aunque no existe la profesionalización, hay que subrayar que el resultado es fantástico.

Gracias al trabajo de Koldobika Jauregi, el vestuario y la estética en general no tienen desperdicio. Es un trabajo realizado con mimo, en el más mínimo detalle. Como la historia transcurre durante un año, incluso las joyas que llevan los dantzaris reflejan la estación del año en el que se encuentran, mediante complementos realizados con semillas y ramas de la estación correspondiente.

En la tradición vasca no existe la imagen del héroe, por tanto, aunque hay algún dantzari con más protagonismo, el personaje principal es la comunidad, es la tradición vasca, aunque este hecho no limita que a nivel internacional, muchos pueblos se sientan identificados con la historia.

Lo mejor: Sin necesidad del diálogo conseguir que la magia que se crea mediante la danza, la música y la imagen, sean un reflejo claro del carácter y la tradición del pueblo vasco.

Lo peor: En realidad no hay ninguna pega. Eso sí, inicialmente se puede hacer duro interiorizar el formato, pero en el momento en que el espectador se adentra, sólo queda disfrutar. Es una delicia.

Haizea Etxebarria Compes

 

“Pájaros de verano”, aperitivo de la programación del Festival Panorama Colombia de Berlín – por Jorge A. Trujillo

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“Comer mierda” es una expresión colombiana que explica las condiciones duras que hay que pasar para ganarse la vida en ese país. A ésto, juntamos un “Viva el capitalismo” y “no es nuestra felicidad, sino la de ellos (de los norteamericanos)” y sería un resumen muy importante de lo que es “Pájaros de verano” (Ciro Guerra y Cristina Gallego). La película se proyectó en el clásico cine berlinés Babylon como un aperitivo del quinto Panorama Colombia de Berlín. El festival nos abre el apetito con dos películas de lujo a una semana de su inicio, entre el 14 y 17 de marzo, con dos ya grandes obras maestras del cineasta colombiano Ciro Guerra: “El abrazo de la serpiente” y la que nos ocupa en este artículo: “Pájaros de verano”.

Ciro Guerra, esta vez en codirección con Cristina Gallego, nos sorprende de nuevo con una obra de arte que nos explica una cara más de la compleja realidad colombiana. Quizás una cara poco explorada y alejada de la visión televisiva y serial de las ya populares producciones audiovisuales sobre la mafia de este país. La riqueza y a la vez el sufrimiento de la mezcla de culturas en Colombia se ven reflejadas, ya en “El abrazo de la serpiente”, y en su nueva película que sacude conciencias. La cultura Wayuu ha vivido desde el principio de los tiempos en La Guajira (norte del país) apegada a su costumbres, tradiciones, a la familia y a la importancia del compromiso de la palabra. La llegada de hippies (y no hippies) norteamericanos abre la puerta a lucrativos negocios y muestra el origen del narcotráfico en la zona. El contexto tiene un claro carácter ideológico de lucha “contra el comunismo”. Curiosamente, la llegada de algunas de las reglas básicas del capitalismo: la explotación de la naturaleza, el enriquecimiento de pocos, la guerra, la codicia y el sufrimiento para dar “felicidad a otros”, viene de la mano de los abanderados de lo “alternativo”. Todos estos elementos irrumpen y se mezclan en la cultura ancestral (con sus propias desigualdades, especialmente de género); primero como oportunidad de crecimiento y mejora y luego como tragedia, venganza y sangre: como lo es la propia historia de Colombia. Los directores hacen de “Pájaros de verano” una brillante mezcla de géneros en un país donde el realismo mágico es muy real. La historia atraviesa el género Western por la importancia de sus espectaculares paisajes y el significado de la llegada de “lo moderno” a las zonas “primitivas”. También lo hace con el género negro porque cuenta el ascenso y caída de personajes que se meten en la mafia y de la propia guerra entre organizaciones delictivas. Y evidentemente el drama y el tema político muestra el trasfondo de una historia basada en hechos reales. Quien vea la película entenderá por qué iniciar con la frase de “comer mierda” para salir adelante, incluso perdiendo la dignidad. Ésto es lo que ha hecho la llegada del capitalismo más feroz a un país como Colombia, donde el dinero, el consumismo y la codicia se convierten en esa guia espiritual por encima de las tradiciones culturales (algunas también muy cuestionables).

“Pájaros de verano” es una película muy interesante, a nivel de importancia histórica e incluso si comparamos de lo que significó “El Padrino” para explicar el origen de la mafia y su vínculo tan estrecho con el capitalismo, ya que, posiblemente, uno no pueda vivir sin el otro. Pero además, es una maravilla ver en la gran pantalla esos rasgos indígenas y esas lenguas que han sobrevivido a los siglos pese al exterminio. En Colombia y en América Latina aún pesa el legado colonial, incluso quinientos años después, cuando la voz de la diversidad cultural y linguïstica han sido siempre excluidas. La importancia histórica y cultural de la película refleja también el sufrimiento y drama en las caras de los personajes (con magníficas interpretaciones). Del mismo modo que nos recuerda la tragedia que trajo la historia y que sigue llegando a través de diferentes formas de colonialismo. Sin duda, es otra obra maestra para la filmografía colombiana que nos abre la puerta para reflexionar sobre el origen y el camino que aún sigue recorriendo el país del realismo mágico. El Panorama Colombia de Berlín nos ofrece un brillante aperitivo (a nivel técnico y narrativo) y nos prepara para disfrutar de su prometedora programación.

5 estrellas de 5

Jorge A. Trujillo
Podéis consultar el trailer aquí: https://www.youtube.com/watch?v=oZTDbNEAAQM

Mañana se estrena “70 Binladens”, de Koldo Serra – por Montse Delgado

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A partir del 8 de marzo tendremos en la gran pantalla “70 Binladens”, un thiller/ficción, dirigido por Koldo Serra.

Raquel es una mujer al borde de la desesperación, una circunstancia en su vida le ha llevado a necesitar urgentemente 35.000€ en las próximas 24 horas, o lo que coloquialmente se conoce como 70 binladens.
Cuando está a punto de cerrar el préstamo con un banco, irrumpen unos atracadores en dicha sucursal. El tiempo corre en contra de Raquel y tiene claro que necesita salir del banco con ese dinero, cueste lo que le cueste.

Una película que, al principio, piensas que no deja de ser un largometraje más de ladrones, policías y rehenes, pero en 70 Binladens nada es lo que parece y sucede todo a un ritmo trepidante.
Cabe decir que el guión escrito por Asier Gerricaechebarria, Javier Echániz y Juan Gil Bengoa, nos sorprende a todos conforme el film va avanzando. Si a esto le sumamos la dirección de Koldo Serra y la excelente caracterización e interpretación de los actores, es éxito asegurado y nos encontramos frente a un peliculón.
Sin embargo, diré que hay algunas tesituras muy lejos de que sean creíbles, pero, al fin y al cabo, se trata de eso… de ficción.

 

Reparto: Emma Suarez (La próxima piel), Nathalie Poza (No sé decir adiós), Hugo Silva (Tenemos que hablar), Bárbara Goenaga (La punta del iceberg), Daniel Pérez Prada (Ella, mi perro, Paulo Coelho y yo).

Lo mejor: El ritmo en que sucede todo, el desconcierto y la apreciación de los actores.
Lo peor: Alguna que otra disposición absurda; pero nada que no valga la pena ir a verla.

Montse Delgado

De la mano de Wanda Films, el pasado día 1 se estrenó “4 latas”, de Gerardo Olivares – por Montse Delgado

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El próximo 1 de marzo se estrenó “4 Latas”, un film dirigido por Gerardo Olivares.

Tocho decide ir en busca de su amigo Jean Pierre al recibir una carta, donde le informan que su amigo Joseba, que actualmente vive en Mali, se está muriendo.
El viaje lo emprenden junto a la hija de Joseba, con la que lleva años sin hablarse, sin embargo si que conserva un 4 latas. Los tres emprenden este viaje cruzando el desierto del Sahara y rememorando los tiempos en los que los tres amigos hacían ese mismo camino en coche para luego venderlos en Mali y Níger. Un viaje que les cambiará la vida.

A pesar de que está calificada como drama, yo le añadiría algo de comedía también, pues la película en sí tiene bastantes puntos cómicos.
Sin dejar de ser una aventura más, es una road movie donde vale la pena admirar el gran trabajo fotográfico, ya que los actores no hacen una de sus mejores interpretaciones, pese a ser un gran reparto. No digo que sea una mala película, ni mucho menos, pero creo que Olivares sabe hacerlo mucho mejor.
Si le buscamos valores, mencionaría el poder de la amistad, llegando a la pregunta de: ¿Cuántos de nosotros estaríamos dispuestos a emprender una aventura así? Un camino nada fácil, lleno de vicisitudes, peligros y con un coche de más de treinta años… Vamos, una locura, ¿o no? Ahí lo dejo.
Sin embargo, yo salí del cine con ganas de llamar a mis amigas y proponerles de organizar una aventura.

Reparto: Jean Reno (Las pequeñas cosas), Hovik Keucherian (La casa de papel), Susana Abaitua (La llamada), Quique San Francisco (No vaya a ser que), Francesc Garrido (El desentierro), Arturo Valls (El mejor verano de mi vida).

 

Lo mejor: Te muestra el sacrificio, la constancia y que siempre hay una solución de último momento, para todo.
Lo peor: Pienso que hay situaciones un tanto equivocas, pero tan sólo es una opinión totalmente personal.

Montse Delgado

Elisa y Marcela, la defensa de la igualdad de Coixet – por Jorge A. Trujillo

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Isabel Coixet estrenó su última película en la pasada edición de la Berlinale rodeada de la polémica, por la propia película en sí y por su producción. Ya sucedió con otras películas importantes en otros grandes Festivales debido a la producción de Netflix y el conflicto de estreno en cine vs. la plataformas VOD. Pero lejos de esta polémica, lo que nos ocupa y de lo que nos gusta hablar es de película como tal. Como ya sucede con la directora catalana, las opiniones están enfrentadas. Sin lugar a dudas, la película es una declaración de intenciones de la misma Coixet. “Elisa y Marcela” son dos mujeres gallegas que se casaron a principios del siglo XX, intentando esquivar de forma muy creativa la intolerancia y los chismorreos, que aún hoy parecen perdurar. La película trata un tema muy importante de visibilidad y de relato histórico muy destacable, en especial en los tiempos actuales cuando se cuestiona la igualdad desde diferentes sectores de la realidad española y mundial. La importancia de la película lo es por su historia y es muy necesario contar y dejar huella de historias así. Sin embargo, el filme flojea mucho si tenemos en cuenta la estética tan limpia: imagen muy televisiva y muy nítida para el contexto donde se desarrolla (la Galicia Rural de hace más de un siglo).  Esta estética tan pulcra y tan de Netflix nos saca de lo preciosa y curiosa que es la historia de estas dos mujeres. El cine de Coixet polariza las opiniones pero pese a lo lento o previsible que puede llegar a ser en algunos momentos, desde luego es una película necesaria.

Las actrices generan un ambiente muy próximo y muy íntimo, con símbolos gastronómicos gallegos incluidos. Quizás un acento más gallego hubiese ayudado a involucrar al espectador en la historia. Momentos eróticos, sensibles y hasta cómicos ayudan a digerir los momentos lentos de la película donde, sin lugar a dudas, las imágenes finales son las que te hacen pensar en lo realmente importante que es un largometraje así. Un punto importante a su favor porque al acabar la película, te quedas mirando a la pantalla con la sensación de no saber si te ha gustado o no.

Lo mejor: las actrices y la historia, sobre todo sabiendo que fue inspirada en hechos reales.

Lo peor: la imagen tan pulcra y tan HD de televisión.

Jorge A. Trujillo

El próximo 12 de Abril se estrenará “La sombra del pasado”, de Florian Henckel von Donnersmarck – por Montse Delgado

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El próximo 12 de Abril se estrenará “La sombra del pasado”, una película alemana dirigida por Florian Henckel von Donnersmarck.

Kurt Burnert se enamora de una compañera de clase, donde ambos estudian arte. El padre de ella es un famoso médico que  está en contra de esta relación, por lo que intentará destruirla. Lo que no saben ninguno es que sus vidas están conectadas por un terrible suceso acontecido años atrás.

Professor Carl Seeband (Sebastian Koch)

La sombra del pasado es un drama/thiller de la Alemania de Hitler y refleja las atrocidades cometidas a los enfermos mentales; entre medias de todo esto, un niño con el don de pintar y que se va convirtiendo en adulto, sufriendo desde muy cerca dichas barbaries.

Ellie Seeband (Paula Beer)

La película empieza reflejando una Alemania a finales de los años 30’s, principios de los 40’s y termina en la Alemania de los principios de los 60’s, no en vano tiene una duración de tres horas y cuarto, pero aquí me gustaría matizar que es un film tan ordenado y acompasado, con una espectacular fotografía que casi podría decir que te quedas con ganas de más. El guión, también de la mano de Florian Henckel von Donnersmarck, no se queda corto. Es una película que te atrapa, que te absorbe. y dotada de gran sentimentalismo.

Professor Antonius van Verten (Oliver Masucci) während einer Vorlesung

Nominada a los Oscar como mejor película de habla no inglesa y a la mejor dirección de fotografía.

Reparto: Sebastian Koch, Tom Schilling, Paula Beer, Lars Eidinger, Rainer Bock

Lo mejor: La trama, la manera en que evoluciona todo, el final, mostrando una estructura casi circular.
Lo peor: De nuevo, nada que decir.

Montse Delgado

El próximo 8 de marzo se estrena “Háblame de ti”, una tragicomedia francesa dirigida por Hervé Mimran – por Montse Delgado

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El próximo 8 de marzo, nos llega Háblame de ti, una tragicomedia francesa dirigida por Hervé Mimran.

Un respetado hombre de negocios, donde no tiene vida ni familiar, ni personal, sufre un ictus.
Allí es, cuando empieza a decaer su carrera profesional, a consecuencia de las secuelas quedadas: memoria, habla, desorientación…La rehabilitación y la ayuda de una logopeda con la que crea un vínculo, empezarán a buscar y a reconstruir cada uno, una nueva vida.

La proximidad de esta enfermedad tan frecuente, nos hace empatizar desde casi los primeros minutos de película. Este film demuestra la fortaleza y a la vez el desconcierto de la persona afectada en si y de todos los que le rodean.
Una película con unos valores muy determinados frente a una situación así.
No obstante, tiene su punto cómico que, compensa con la gravedad de la situación.
Una oportunidad para ver el gran trabajo realizado por Luchini.

Reparto: Fabrice Luchini, Leïla Bekhti, Rebecca Marder, Igor Gotesman, Clémence Massart, Yves Jacques, Micha Lescot.

Lo mejor: La manera de afrontar y mostrar esta enfermedad. Los momentos cómicos, ayudan.
Lo peor: Nada que decir.

Montse Delgado

 

 

 

 

 

 

Lo que esconde Silver Lake: Surrealismo y reflexión en lo absurdo – por Haizea Etxebarria Compes   

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Tras más de dos horas y media de proyección, se encendieron las luces de la sala y con cara de asombro, lo único que pude verbalizar fue ¡qué absurdo todo!. Salí del cine entre molesta y desconcertada y mientras caminaba por las calles de Barcelona, me puse a reflexionar sobre lo que había visto.

Este último largometraje de David Robert Mitchell, que trascurre a caballo entre lo surrealista y lo absurdo al más puro estilo David Lynch, no deja indiferente al espectador. Con numerosas referencias al estilo pop, al mundo del videojuego, al cómic y al cine negro detectivesco, nos arrolla a una búsqueda basada en códigos y pistas, que en numerosas ocasiones no llevan a nada y que incluso no coexionan entre sí, generando en el espectador una sensación de absurdo aturdimiento.

Nos hallamos ante una película, que por sus características surrealistas, puede ser tanto amada como odiada por el espectador. Es innegable el trabajo llevado a cabo por el director realizando guiños tanto a Hitchcock como a Cukor, en esa última película inacabada protagonizada por Marilyn Monroe y al cine clásico en general.

No hay duda de que Mitchell realiza una crítica dirigida a la generación millenial por su supuesta pasividad; generación que aún persiste paralizada por un presente que no tenía absolutamente nada que ver con los objetivos que se había marcado y que sus predecesores habían vendido como indudablemente prometedor. Perdido en un mundo en el que ya nada queda por descubrir, Sam (Andrew Garfield), deambula por las calles de Los Ángeles anestesiado, inmutable ante la orden de desahucio que tiene por impagos de un piso que está por encima de sus posibilidades, inmerso en códigos y pistas de un mundo que considera conspiratorio e inalcanzable y que tiene, que necesita, desvelar. Bajo los efectos de las canciones de REM y en un mundo decrépito y superficial Sam intenta sobrevivir en las calles de Los Ángeles.

Lo mejor: Lo sorprendente, la necesidad que genera en el espectador de revisar durante horas lo que acaba de ver y la crítica a una sociedad anestesiada que necesita despertar.

Lo peor: La dificultad que supone adentrarse en una forma de cine basado en lo absurdo y la extensión del largometraje. Se hace demasiado larga.

 

 

Haizea Etxebarria Compes   

 

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