Cine

Martin Provost ya había demostrado que era un gran director de actrices y que en ellas tenía la fuente de lo mejor de su cine, especialmente repitiendo y dando excelentes resultados con gente como Carmen Maura o Yolande Moreau. A ellas no podía dejar de unirse una grande del cine francés que es Juliette Binoche con no menos brillantez, ya que la actriz francesa es aquí el corazón de esta historia revisionista y renovadora.

Aquí Binoche es Paulette Van Der Beck, quien dirige con su marido una escuela de amas de casa, un centro en el que forma a jóvenes adolescentes para ser, como dice el título, las esposas perfectas. A esta premisa tan arcaica se le dará la vuelta poco a poco a partir de la muerte del pobre señor Van Der Beck y de los cambios sociales que están por llegar en Francia con el Mayo del 68.

Provost sabe mantener muy bien tanto la atmósfera, como el carácter de sus personajes, y el ritmo de la cinta. Para la primera, todo se encuadra muy bien en una especie de comedia entre fresca y alocada, con la cual puede dar rienda suelta a lo ridículo de la premisa de la que parte: el que las mujeres tengan que ser educadas para ser unas ejemplares esposas para con sus maridos. El carácter es parte del juego en el que se moverán las mujeres en esa atmosfera, ya que, dentro de las limitaciones que pueden llegar a tener las mujeres, cada una de ellas será un personaje muy bien dibujado. Y el ritmo en el que late todo es básico,  puesto que desde un buen principio todo parece oler a un cierto género musical, cosa que le da frescura, dejando que todo vaya creciendo, tanto este colorido carácter como la propia música.

Todo vuela con pintas de poder estar en un musical, pero no abusa. Lo mejor es dejarse llevar por la sonrisa general que aporta este ritmo para así disfrutar del auténtico musical final. Lo único que le echo en falta es que no haya más alusiones a platos o recetas, bueno, es cierto que el señor de la casa se atraganta comiendo en la mesa pero, en todas las pelis francesas ―al igual que en las españolas― siempre sale una cocina o algún truco culinario, aunque fuera por parte de un cocinero, un buen marido… Frivolidades al margen, creo que es la unión perfecta entre la comedia francesa de siempre y un nuevo “NO” a retrógradas miradas del hetero-patriarcado de entonces.

El pasado 18, Wanda Films nos presentó Martin Eden, una adaptación de la novela de Jack London y bajo la dirección de Pietro Marcello.

Sinopsis:

Cuando el trabajador no cualificado Martin Eden conoce a Elena, la hija de una rica familia de empresarios, es amor a primera vista. La joven refinada y culta no tarda en convertirse en una obsesión para Martin, que espera que sus sueños de convertirse en escritor lo ayuden a superar sus humildes orígenes y le permitan casarse con Elena.

Con mucha determinación y superando grandes dificultades, Martin se propone obtener la educación que su clase social le ha negado. Martin encuentra apoyo en un amigo mayor que él, el intelectual de izquierdas Russ Brissenden, y no tarda en integrarse en círculos socialistas. Esto no solo le lleva a asumir un compromiso político y a desarrollar actitudes destructivas, también crea un conflicto con Elena y su entorno burgués.

Pietro Marcello sobresale con esta adaptación, sobre todo por la riqueza literaria que ella conlleva  y el mensaje clasista que nos da en la frente al poco de empezar el film.

La fotografía, la escritura, la dirección, los actores… son solo unos de los factores por los que deberíamos ir a verla. La gran pantalla se llena de belleza al ver una Italia de época desconocida pero que representa a la perfección la novela de London.

La perseverancia y la tenacidad del protagonista por conseguir sus sueños, nos manda un mensaje bastante claro en cuanto a lo de las diferencias sociales se refiere, algo que desafortunadamente hoy en día, también sigue siendo una lacra entre la humanidad.

Sublime en todos los aspectos, una obra maestra donde Marcello ha dado lo mejor de sí.

Reparto: Luca Marinelli, Carlo Cecchi, Jessica Cressy, Denise Sardisco, Vincenzo Nemolato, Carmen Pommella…

Lo mejor: El reflejo de la novela, todo en su conjunto.

Lo peor: Le sobran quizás veinte minutos de película, sin embargo la intensidad en la que transcurre la trama logra que en ningún momento tengas la sensación de que se te está haciendo larga.

Tras muchos años en los teatros de Europa, el dramaturgo francés Florian Zeller traslada su propia obra al cine, y lo hace sobre seguro, acompañándose de los oscarizados Christopher Hampton en el guion y Anthony Hopkins y Olivia Colman como el padre y la hija. Ellos y una casa, poco más necesita para trasladar este sobrecogedor retrato de una mente que empieza a desmoronarse en su vejez.

El padre nos muestra el problema de una mente que no funciona bien o empieza a fallar, pero desde dentro, desde su punto de vista. Nos adentramos en la casa de Anthony pero en realidad estamos entrando en su cabeza. Sin previo aviso, vamos viendo los hechos y las situaciones a las que Anthony se enfrenta de forma que nos resultan inverosímiles. Poco a poco, y junto a él, descubriremos que ahí hay algo que no cuadra, piezas que faltas, una realidad que parece ir desmoronándose, hasta que acabaremos viendo que seguramente se trata de que lo que se está derrumbando es algo de nosotros mismos, de nuestra cabeza, de nuestro nuevo estado. De este modo, El padre, a diferencia de Amor (2016), donde Michael Haneke ―como es habitual en él― nos mostraba ese deterioro tras una considerable distancia desde la que no nos involucraba, nos mete de lleno en el deterioro de la memoria y de nuestra realidad y lo acabamos padeciendo en primera persona, como en Memento (2000), de Christopher Nolan, donde el relato y la estructura es el propio mensaje. Florian Zeller logra así plasmar la metáfora del árbol que se va deshojando como una identidad que no se sostiene. De igual modo, no todo es el ensimismamiento del pobre Anthony perdiendo la cabeza, la mente a veces también nos juega buenas pasadas y hace, seguramente gracias al instinto de supervivencia, que veamos a los extraños, aquellos que no son de la familia, como verdaderos seres hostiles, llegando a acertar en ocasiones. Es el caso Rufus Sewell (siempre siniestro), de quien el maestro Hopkins mira mal desde un principio.

Vale la pena vivir la experiencia ya que el trío Zeller, Hopkins, Colman consiguen transmitir al espectador algo que, si no se ha sufrido ya, acabará ocurriendo, ya sea en nosotros o en algún familiar cercano. Y, de no ser así, solo el personaje de Anthony interesa para ser reinterpretado por futuros actores tanto en teatro como cualquier versión. Es de esos papeles que en otras décadas hubiera galardonado a aquellos Jack Lemons, Jack Nicholson, Dustin Hoffmans, etc. vaya, un caramelo. Además, no nos podemos quejar porque es una peli confinada: apenas salen de casa…

Dentro del Festival Inclús de Barcelona, Osama Rai firma esta pequeña gran muestra de cooperación y solidaridad entre unas personas con parálisis cerebral en un desierto interior de Argelia. El inicio es sintético y efectivo: Mustafa Amini, director del proyecto Green Path y hermano de un chico con parálisis cerebral, habla del problema y al mismo tiempo vemos la aridez del entorno: el desierto yermo. La relación entre ambos conceptos se remata con el título The green path (la ruta verde) impuesto sobre esa imagen. Seguidamente, uno de los tutores explica el problema de su hijo, su accidente, su parálisis cerebral, sus dificultades diarias; ellos mismo son los narradores. Al mismo tiempo, la cámara nos adentra en un colectivo de discapacitados físicos para que veamos cómo decidieron incluir a los mentales. Todo fluye de forma clara y sencilla, sin narrador, a través de los mismos protagonistas, sin perder en todo momento el otro protagonismo paralelo: el de la relación entre la dificultad de la aridez del desierto y los verdes avances humanos. Esta metáfora funciona durante todo el relato; hay una larga secuencia representativa: esos trabajadores-pacientes mueven piedras arrancándolas de un duro y seco suelo, dejando palpable que hay que tratar esa inclusión ―su inclusión― y esa solidaridad desde la base. Veremos pues que a medida que se muestren esos avances, irá surgiendo el verde, el del desierto y el humano. Con breves frases de compromiso y solidaridad, con sonrisas ante la sequedad y la dureza, en general: con verde esperanza. Para ser una cinta tan corta, es un documento directo, efectivo y excelente.

El 24 de noviembre se inició la octava edición del Festival Internacional de Cinema i Discapacitat de Barcelona, pero esta vez vía on line, tal y como manda este extraño 2020 que estamos viviendo. La Sección Oficial se inició con Beyond words, cortometraje documental de Amanda Chang que muestra la vida de una familia de Singapur en la que la pequeña Amelia, de 13 años, sufrió deficiencia aislada del complejo III, una enfermedad degenerativa similar a una parálisis cerebral, pero con condiciones mucho más duras.

El documento no tiene narrador, tan solo se apoya en el testimonio directo de los familiares que están a diario viviendo con Amelia y cuidando de ella en toda su dependencia. Principalmente son su madre y su hermana mayor, Amanda. Ellas mismas nos muestran de inicio a la pequeña Amanda en unas imágenes de archivo diciendo que ya podían ver que no era como las demás niñas. De ahí, nos muestran a Amanda en su dificultoso estado actual diciéndonos que, a partir de los 10 años, su enfermedad evolución rápidamente. Con ello, podemos ver a grandes rasgos el día a día de la familia de Amelia: como llegaron a hacerse con un videojuego adaptado a sus necesidades y poder comunicarse, como a pesar de la enorme ocupación que sus cuidados llevaban, su hermana Amanda pudo también dedicarse a sus hobbies y completar su vida, la ayuda de enfermeras del Star RALS entraron en sus vidas y la ayuda logística del padre a la hora de mover a su hija fuera de casa. Pero, sobre todo, queda el poso de la unión de estas tres mujeres ante una dificultad vital tan grave: su madre, su hermana, y la pequeña Amanda.