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Cine

‘The Owners’ (Los propietarios), se estrena el 5 de marzo en cines

Crítica por Rafa Catalán

en Cine

A través de A Contracorriente, nos llega producción franco-británica The owners, basada en la novela gráfica Une nuit de pleine lune, de Yves Hermann y dirigida por el francés Julius Berg. Esta es una obra de lo más sencilla, y cuyo interés y atractivo radica en eso mismo, en su sencillez y, por decirlo así, su maniqueísmo. Porque la historia no es más que la de unos jóvenes que pretenden robar en una casa y se encuentran con algo “chunguísimo” en ella. Esta atrevida y simple sinopsis suele ganar puntos cuando, a esa sencillez se van añadiendo otras cosas que riman con “chunguísimo”, como podría ser “puntazos”, es decir, si a una historia de los más tonta le vas poniendo cosas originales: la cosa gana en interés y en atracción. No es el caso. The owners no deja de ser entretenida, pero no es para nada original. Esos jóvenes que se encontrarán con algo que dará la vuelta a la historia como un calcetín dado vuelta nos van recordando a otros jóvenes en otras situaciones similares vistas y revistas ya. Vistas sobre todo en festivales de cine fantásticos como el de Sitges, en el cual estuvo la propia The owners el pasado año. Pero es que, si hay algo que caracterice a esta producción, tanto por su aliento juvenil, su entrega y su espíritu, es el color general que tiene, el cual nos recuerda a cualquier otra típica del terror y el fantástico de un festival como el de Sitges. Ojo, lo cual es no es para nada perjudicial, todo lo contrario, es únicamente característico de su estilo. Digamos que estamos antes ese grupo de films que ya vimos mucho tiempo atrás en autores como James Wan y su Saw de 2004, o bien los No respires de Fede Álvarez de 2016 y los M. Night Shyamalan de La visita en 2015. Y por supuesto, a los Tobe Hopper y sus matanzas texanas con las que retrataba a familias diabólicas hace ya 40 años. Menciono a todas estas obras por no hacer ningún spoiler, tan solo para hacer referencia al giro de guion del inicio de la película, cosa que ya huelga decir que hará más que predecible el resto de sorpresas que irán aconteciendo, incluido “ese” final…

Podcast especial – Internationale Filmfestspiele: La Berlinale

Nuevo episodio de “El cine y Berlín” sobre la historia de la Berlinale - por Jorge A Trujillo

en Cine

En la quinta entrega del podcast para para Bazar Show Magazine, La Torna Migrada & Berlin&Film hemos hecho un recorrido histórico de uno de los Festivales de Cine más importantes: la Berlinale. En esta edición hemos tenido el placer de escuchar al experto del festival Carlos Ibarra, que cubre la Berlinale para la revista Cultural Resuena. 

Normalmente, el frío del febrero berlinés se viste de gala para mostrar cada nueva edición del Festival de cine berlinés. Este 2021, la edición número 71, será en marzo para la prensa y la industria y en junio para el público. En este episodio hemos querido indagar en los orígenes de la Berlinale, su papel en el contexto socio-político y la historia del siglo XX. También hemos tratado algunas polémicas y recordado algunas de las grandes películas que pasaron por su programa y fueron premiadas. No olvidamos su cambio de Zoo Palast a la moderna Potsdamer Platz en el 2000 y hablamos del papel actual de la dirección, su papel en los últimos veinte años y la importancia que tienen el cine alemán y la ciudad de Berlín en el festival. 

Anteriores programas:

La guía del cine en Berlín

La Reunificación alemana en el cine

El Muro de Berlín en el cine parte 1

El Muro de Berlín en el cine parte 2

El Holocausto en el cine

Películas comentadas:

Contra la pared (Gegen Die Wand,2004, Alemania, de Fatih Akin. 

A Separation (Jodaeiye Nader az Simin, 2011) Irán, de Asghar Farhad: 

Touch Me Not (2018),Rumanía, de Adina Pintilie. 

Mignonnes (“Guapis” (2020),Francia, de Maïmouna Doucouré. 

En el nombre del padre (UK,Irlanda, 1993), de  Jim Sheridan. 

Platoon(1987), USA, de Oliver Stone. 

El Prófugo (Argentina,México, 2020) de Natalia Meta. 

Williams Shakespeare’s Romeo and Juliet , USA,(1996) de Baz Luhrmann.

Rain man USA (1988) de Barry Levinson.

EL Cazador USA, (1978) de Michael Cimino.

La Notte Italy, France (1960) de Michelangelo Antonioni.

Rebecca USA (1940) de Alfred Hitchcock.

Hacer películas con Marc Fàbregas y no odiar el cine – Podcast/Entrevista por Jorge A. Trujillo

El director y productor presenta su nuevo libro “tragicómico” y prepara el estreno de su nuevo documental

en Cine/Entrevistas

Marc Fàbregas es un todoterreno del audiovisual. Ha escrito, producido y dirigido varias películas, cortos y series. Su libro “Cómo hacer películas y no odiar el cine” (Ediciones Azimut) es claramente un manual dinámico, ilustrativo y tragicómico sobre las experiencias del director catalán en la producción y desarrollo de sus películas. Este libro es la otra cara, la más realista, de cómo funciona el mundo del cine. En la facultad o las escuela de cine se aprende la teoría y Fàbregas nos muestra la otra cara de la moneda con su interesante libro. En éste se ve el proceso de una obra: desde la idea, el desarrollo del guión, la financiación, la producción, el rodaje, la postproducción hasta la exhibición y las ventas de una película. Fàbregas nos habla de lo cerrado y lo poco accesible que son las ayudas al cine en Cataluña y en España. Su visión crítica y algo pesimista, sin embargo, es compensada con su motivación, su trabajo y su energía para sacar adelante todos sus proyectos. A sus quebraderos de cabeza con la producción de “Cuinant” y “Colisión”, Marc sumó su parte más cómica, como muchas de sus creaciones, para presentar un libro de lectura muy ágil, divertido y que da claves para entender el llamado “mundo del cine” y la producción audiovisual.

Todos sus proyectos audiovisuales y cinematográficos se pueden ver en su vimeo pero también en Filmin: “Cuinant y “Colisión”, plataforma que recomendamos usar para apoyar el cine independiente de calidad, divertido y hecho con mucho cariño y esfuerzo, como el de Marc Fàbregas. El director trabaja actualmente en TV3 pero también ha colaborado en medios escritos y además es profesor de cine. 

‘Nuevo orden’. En cines mañana 19 de febrero

Crítica por Rafa Catalán

en Cine

Los primeros 20 minutos de Nuevo orden son de ese grupo de inicios de peli en los que gente como Luis Buñuel, Michael Haneke y hoy ya Michel Franco, te invitan a una fiesta, te engatusan, y cuando ya estás tomando tu copa de cava, accionan una palanca para dejarte caer en el abismo de una realidad de la cual cuesta salir. Antes, en su presentación, algunas de las letras de los créditos de inicio aparecen al revés, lo cual ya es un presagio de cómo va a ser ese orden que el titulo refiere. Pues sí, ese orden ―nuestro orden― será directamente violado, porque la distopía que nos ofrece el joven realizador mexicano es uno de los pocos ―si no el único― bofetones realmente duros de los últimos años. Para hacernos una idea, esta es una distópica radiografía de una sociedad cualquiera, pero puestos a escoger, cuál mejor que la mexicana, pasada por el futuro no tan lejano de aquellos Hijos de los hombres del también mexicano Alfonso Cuarón, con el prisma canino de Yorgos Lanthimos y todo bendecido desde arriba por el ojo deformante de Buñuel.

De igual forma que no entiendo como Cowboy de medianoche fue calificada X en su estreno americano en 1969, antes de hacerse con el premio gordo de la academia, y como el Átame almodovariano pasó el mismo filtro allí, 20 años después, esta cinta se presenta tan solo con un No recomendada a menores de 16 años. Y es que, por su dureza es menos recomendada para los mayores de 16, para los mucho más mayores de 16, porque la tele de hoy en día se está acercando o pareciendo a la semilla de esta Nueva Orden de Michel Franco. Aquellos que deseen ver un discurso con el cual se refleje y/o afronte la lucha de clases, como en su día hiciera algunos de la Nouvelle Vague y demás comprometidos, que se abstengan, o bien que se olviden, esta obra y su autor es la entraña de todo aquello, sin cortapisas ni atajos. Por eso recomiendo ir a verla bien almorzado o merendado, ya que su veneno, como el de esa pintura verde que salpica a esos mexicanos de la zona alta de la ciudad del inicio, se mete en la sangre por días.

‘Minari. Historia de mi familia’, se estrena mañana en cines

Crítica por Rafa Catalán

en Cine

De A Contracorriente nos llega Minari. Historia de mi familia, una producción coreano-estadounidense del joven director Lee Isaac Chung. Era de suponer que, tras la bomba de Parásitos (2019), el cine americano ya no sólo le iba a echar un vistazo al cine coreano sino que le iba a tener que meter mano directamente. Pues así lo ha hecho Brad Pitt (ahora de nuevo como productor), quien ha afianzado su apuesta y llevando la película hasta los Globos de Oro. No hay grandes similitudes con ese gran éxito del año pasado, pero sí hay bases como la familia, la supervivencia, y el choque cultural. En este caso el conflicto sucede en Estados Unidos, en una familia coreana que intenta tirar adelante el sueño americano en la década de los 80 y de una forma muy similar a como lo hicieron los colonos de hace 100 y 200 años.

Él se llama Jacob como el personaje del libro del Génesis, aunque solo comparte con él el hecho de verse ante la dificultad de una tierra prometida y una sociedad de promesas y esperanzas. Esta sociedad se relaciona poco con ellos, apenas a través de la iglesia y de algún que otro iluminado o corto de miras, quien tal vez no vio esa tierra prometida o ese sueño en el pasado y busque ahora una segunda oportunidad. De hecho, todo americano vecino de los nuevos ciudadanos, o bien mira hacia abajo buscando agua como buenos zahoríes que son, o bien miran hacia arriba buscando un dios que todavía notan presente.

Las diferencias en la pareja de la familia ya se ven en sus formas; ella destaca en sociedad por su elegancia, mientras que él no deja de ser el rudo campesino llegado al campo de Arkansas en su versión asiática. De ahí vendrán las opciones que los distancien: quedarse aislados en la rutina de sexadores de pollos y la apuesta personal de Jacob, o el ansia de ella de seguir más hacia el Oeste, California. El problema culmina con la abuela, o sea el pasado, o sea Corea. Si todos los personajes han de ir aprendiendo a comportarse en la nueva tierra, ella también lo hará, pero con mucha más dificultad.

Ni se puede comparar con las vicisitudes americano-irlandesas de aquellas uvas de la ira de John Ford, pero ambas familias llegaron en carreta y estaría bien compararlas con la prudente equidistancia para ver cómo cambian los tiempos. Esta nueva comunidad norcoreana que retrata Minari será la que veremos ya afincada en el Gran Torino de 2008, cuyos personajes serán los hijos de este Jacob y sus problemas seguirán siendo de adaptación en la sociedad norteamericana.

‘Del inconveniente de haber nacido’ se estrena solo en cines el próximo 26 de febrero

en Cine/Plataformas

La controvertida película de Sandra Wollner, premiada en el Festival de Berlín, imagina un futuro en el que los robots ocupan el vacío emocional que nos dejan los que ya no están.

Filmin estrenará solo en cines, el próximo viernes 26 de febrero, la película “Del inconveniente de haber nacido” (“The Trouble With Being Born” según su título original), segundo largometraje de la directora austriaca Sandra Wollner (“The Impossible Picture”). La película imagina un futuro próximo en el que la gente adquiere robots antropomorfos para que ocupen el vacío que ha dejado en sus vidas la pérdida de un ser querido. Estos robots adoptan la apariencia y actitud exactas de esa persona que ya no está, pero su precisión a la hora de emular sus recuerdos y bagaje emocional no es tan óptimo.

 

El film, algo así como un cruce entre “A.I. Inteligencia Artificial”, de Steven Spielberg, y un episodio de “Black Mirror”, ha provocado cierta controversia a su paso por el circuito de festivales. De hecho, su proyección en el Festival de Melbourne fue cancelada a pocos días de celebrarse. A pesar de ello, la película ha sido premiada en la sección Encounters del Festival de Berlín, galardonada en muchos otros festivales (Bergen, Trieste, Viena…) y se estrenó en España el pasado mes de septiembre, en la sección Zabaltegi del Festival de San Sebastián.

 

Título original: “The Trouble with Being Born”.

País y año de producción: Austria, Alemania, 2020.

Duración: 94 minutos.

Dirección: Sandra Wollner.

Guión: S. Wollner y Roderick Warich.

Dirección de fotografía: Timm Kröger.

Música: David Schweighart, Peter Kutin.

Intérpretes: Jana McKinnon, Ingrid Burkhard, Dominik Warta, Lena Watson, Susanne Gschwendtner.

 

‘El chico’ (1921), se estrena mañana 5 de febrero en cines – Restaurada en 4K

Crítica por Rafa Catalán

en Cine

El director Michael Haneke dijo una vez que le gustaría pasar de la tragedia a la comedia y viceversa con la facilidad con la que lo hacía Chaplin, pero que no podía. Hoy, vista la filmografía de ambos y el sentido del humor del primero, se entiende su honestidad. Lo importante es que a Chaplin lo tendremos siempre porque ya es un icono del siglo XX, y un siglo ha pasado desde el estreno de su primer largometraje, El Chico. Para volver a disfrutarlo, A Contracorriente nos la trae en una versión restaurada en 4K, con lo cual es una gran oportunidad para hacerse con la experiencia de aquellos primeros espectadores que disfrutaron en una sala de la primera historia larga de Charlot. La trama es más chaplinesca de lo que uno puede llegar a imaginar, ya que el famoso vagabundo de bastón y bigote se gana la vida con la ayuda de su nuevo amigo, un chico que romperá vidrios de ventanas para así reparándolas él y cobrándolas. La unión de ambos será la fuerza de la historia, habiéndose encontrado por azar, tras ser el pequeño abandonado por una madre que arrastra un pasado.

A partir de aquí, poco más que decir, porque Chaplin ya lo dice todo y casi todo con más imágenes que rótulos, de ahí el poder del pionero. Para la comedia, un solo gesto, o bien una composición de ideas; para el drama, unos rótulos que expliquen la problemática de la situación; pero para acabar resolviéndolo todo, comedia, drama, rótulos, violencia y catarsis. La iconografía es la de Charlot de siempre: miseria llevada con dignidad (la estancia de Charlot y sus utensilios casi pasan a ser juguetes), coqueteo infantil ante las damas (aquí con un error desternillante), David contra Goliat (los botellazos en la cabeza te alegran el día literalmente), o la cosificación de personajes (el Chico evoluciona de “paquete” a persona por secuencias). Con la novedad esta vez de un sueño que fue calificado en ocasiones de cursi por ser excesivamente edulcorado; hoy, como todo lo del resto de la obra, no sobra en absoluto, le sube un par de puntos a la fiesta global que es toda la cinta.

El trío lo forma Charles Chaplin y su atuendo, Edna Purviance y los problemas que ya arrastraba entonces, y el pequeño Jackie Coogan con una vida que le esperaba no mucho mejor que la de su personaje. Cien años después y tal como está el cine y sus salas, lo mejor como espectador es dar un homenaje a la fiesta del cine e ir a ver a Charlot y su Chico.

‘Crash’ (1996), ya en cines

Crítica por Rafa Catalán

en Cine

Para el vigésimo quinto aniversario del estreno de Crash, David Cronenberg presenta su obra sugiriendo que la mejor forma para verla sería en un coche a 160 kilómetros por hora. Yo creo que no haría falta. Tras esos 25 años, la peli ya se ha estrellado sola. Recuerdo que por entonces la vi recién salido del hospital tras haber sufrido un accidente y, aun así, la cinta me resultó provocadora, atrevida, casi acertada, incluso casi divertida. Sobre todo porque al menos su director justificaba todo esto con esas cosas de autor que suele decir, tales como defender “la remodelación del cuerpo humano por la tecnología moderna”, o que “los accidentes de coche son una metáfora de la colisión de la tecnología actual y la psique humana”, cosas que, siguiendo un poco a Cronenberg, me han cuajado más en obras más notables y serias como Videodrome, La zona muerta, La mosca, Inseparables, o, mucho mejor, en Existenz. Reviviéndola, hay que reconocer que el realizador canadiense se toma en serio su discurso y plantea muy bien el dibujo de unas psiques perturbadas que no saben relacionarse de otras formas que no son más que la atracción por la autodestrucción. Pero insisto en que el tiempo le ha hecho daño ya que, hacerse con esas psicopatologías para querer firmar una peli porno sin ser una peli porno, le ha caducado.

La historia es conocida ya: un tipo tiene un accidente de coche y descubre a un grupo de personas a quienes les atrae el tener accidentes intencionados y autolesionarse para excitarse y llegar a un clímax entre cuerpo y máquina. Puede que por entonces quedara muy posmoderno, pero creo que con el tiempo, otras obras ―anteriores y posteriores― han superado este discurso dejándolo incluso en ridículo, mostrando todas estas represiones sexuales liberadas mediante la violencia y la unión del eros y el thanatos; desde su adorado Buñuel de Belle de Jour hasta El club de la lucha, pasando por Peeping Tom, e incluso por el Almodóvar de Matador. En este último título, por ejemplo, su escena inicial ya muestra al personaje masturbándose, viendo macabros asesinatos en la tele, con lo que ya te monta la mitad del discurso de Crash. Cronenberg, por el contrario, hace deambular a sus personajes, que van y vienen sin saber muy bien qué quieren, impelidos por sus pulsiones, de acuerdo, pero sin rematar nada: descubrimos en el último tramo que Vaughan (Elias Koteas) tiene un proyecto para con Ballard (James Spader), de igual forma que lo tuvo luego el Tyler Durden de El club de la lucha con Edward Norton (incluso su aparición y su atracción podrían ser similares en tanto que ego-superego), pero todo se acaba resolviendo como el resto de relaciones de los demás personajes: con un trompazo en coche, con sexo enfermizo, o bien con ambos en armonía. Todo ello para radiografiar un mundo deshumanizado que ya lo hemos acabado viendo más en la tele y en el móvil más que en el cine.

Creo que la novela de James Ballard, de 1973, tendría su atractivo entonces y llamaría la atención de Cronenberg, como igualmente hizo al comic underground (en 1987, Liberatore ya dibujó con su aerógrafo a un personaje que quería morir junto a Brooke Shields en un accidente automovilístico en su número Feliz cumpleaños, Lubna de su obra RanXerox), pero hoy en día, ya nos hemos saturado de Internet, e incluso hemos sabido que la misma Angelina Jolie era amante de amputarse partes del cuerpo y volcar en accidentes con Billy Bob Thornton. Por eso, puede que bajo ese prisma, quede un tanto caduca. Aun así, lo que la mantiene latente es la mirada y fundamento del que partió su autor, su particular fascinación, el ver su intuición de entonces que fue una especie de personal Psicosis pero con la ecuación en función del coche y la autodestrucción. Habrá quien siga viéndola así de poderosa como hace 25 años, yo no.

 

 

 

Podcast “El Holocausto en el cine”

Nuevo episodio de “El cine y Berlín” para Bazar Show Magazine - por Jorge A. Trujillo

en Cine

La Torna Migrada & Berlin&Film lanzamos el cuarto podcast para Bazar Show Magazine. El 27 de enero es el día Internacional de Conmemoriación en Memoria de las víctimas del Holocausto. Ese mismo día del año 1945, el ejército Rojo libera el campo de concentración de Auschwitz y en mayo cae Berlín. El Holocausto fue una destrucción humana, material pero también valores y cultura para Europa y la humanidad. Tras el fin de la guerra, el 10 de diciembre de 1948, la ONU hizo la Declaración Universal de Derechos Humanos. En este episodio hablamos de cómo el cine refleja el Holocausto y este negro episodio de la humanidad.

Anteriores programas:

La guía del cine en Berlín

La Reunificación alemana en el cine

El Muro de Berlín en el cine parte 1

El Muro de Berlín en el cine parte 2

 

Películas comentadas:

Solución final (Conspiracy, Frank Pierson, 2001)

Los falsificadores (Die Fälscher, Stefan Ruzowitzky, 2007) 

La vida es bella (La vita è bella, Roberto Benigni, 1997)

El pianista (The pianist, Roman Polanski, 2002)

La lista de Schindler (Schindler’s list, Steven Spielberg, 1993) 

Death mills (Billy Wilder, 1945) 

Vencedores o vencidos (Judgement at Nuremberg, Stanley Kramer, 1961)

El fotógrafo de Mauthausen (Mar Targarona, 2018)

Podcast especial: Lo “mejor del 2020” y homenajes

Lo que más nos ha gustado en un año raro e inolvidable - por Jorge A. Trujillo

en Cine/Plataformas

Hemos querido analizar el, casi, único espectáculo del 2020, antes de que el mundo se detuviese. Hemos hecho un análisis de la SuperBowl de 2020, un mes antes del cierre por la pandemia, no sólo por la importancia dentro de la cultura mainstream y masiva, en cuanto a espectadores, sino por el contenido multicultural y las lecturas sociopolíticas. En éste, Shakira y Jeniffer Lopez hicieron historia en uno de los espectáculos más caros e importantes de todo el mundo.

Por otro lado, recordamos algunos otros momentos musicales y videoclips, destacando la canción del año “René” de Residente. Una canción tan profunda e íntima como universal que nos emociona. Del mismo modo, un grito a la vida y al agradecimiento que nos dejó Pau Donés (Jarabe de Palo) con “Eso que tu me das”. Otras de las canciones que forman parte de la Banda Sonora del 2020 son “Patria” de La Habitación Roja y “Antes que el mundo se acabe” también de Residente.

Por último, tras el especial de la serie “Veneno”, no podemos dejar de mencionar otras de las mejores series y películas del año. Por no tener cada una de ellas un programa especial, no las hace menos porque su calidad, su retrato humano y social y su emoción, nos encanta mencionarlas en lo mejor de la cultura del 2020.

Hemos cubierto la Berlinale 2020 de forma presencial. De forma online, hemos estado en La Mostra Internacional de Cinema de Dones de Barcelona (Primer resumen y segundo resumen), La Mostra Fire 2020, El Festival de cine alemán de Madrid, El D’A de Barcelona 2020 (primer, segundo, cortos y entrevistas, tercer, cuarto resumen y el Palmarés) y el DOCS Barcelona 2020 (primer, segundo, tercer, cuarto, quinto y sexto resumen).

 

Series que recomendamos.

  • Veneno
  • Patria
  • Antidisturbios
  • Colapso
  • En Casa
  • Drama
  • Unorthodox
  • 30 Monedas
  • Por H o por B
  • “Diarios de la cuarentena” y “Relatos confinados”
  • Misses America
  • Podria destruirte

 

Otras series por ver ya que prometen

  • Byanamilan
  • The Crown 
  • Madres
  • El Cid
  • La línea invisible

 

Las mejores películas que hemos podido ver a pesar de todo.

 

  • Los Lobos (Samuel Kishi
  • Nunca, casi nunca, a veces, siempre (Eliza Hittman)
  • Kids Run (Barbara Ott)
  • Las Niñas (Pilar Palomero)
  • Futur Drei (Faraz Shariat)
  • La boda de Rosa (Iciar Bollain)
  • Como el cielo después de llover, Mercedes Gaviria
  • Una vez más (Guillermo Rojas)
  • El cazador, Marco Berger
  • Corto Dirty (Matthew Pucci) Panteres (Erika Sánchez)
  • La nova escola (Ventura Durall)
  • A Stormy Night (David Moragas)
  • Matthias & Maxime (Xavier Dolan)
  • Girant Per Sant Antoni (Pere Alberó)
  • Hogar (Alex y David Pastor)
  • Police (Anne FOnaine)
  • La red avispa (Olivier Assayas)
  • Guapis (Maïmouna Doucouré)
  • Niña, mamá (Alicia Tasta)
  • Los caminos que no escogemos (Sally Potter)
  • Las mil y una (Clarisa Navas)

 

 

Películas que no pudimos ver pero que seguro nos gustarán:

  • La mort de Guillem (Carlos Marques Marcet)
  • Falling (Viggo Mortensen)
  • Uno para todos (David Ilundian)
  • El año del descubrimiento (Luís López Carrasco)
  • Ane (David perez Sañudo)
  • The mexican Bretzel (Nuria Giménez Lorang)
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