Cine

Sólo de escuchar el nombre, me transporto automáticamente a un escalofriante y cebolliento melodrama, digno de un culebrón mexicano, al puro estilo Televisa. Pués bien, lamento contarte que “La familia que tú eliges”, carece de eso, de esto y de aquello también.

Los mismos productores de la joyita de “Pequeña Miss Sunshine” se han hecho cargo de esta nueva producción norteamericana. Pero de ese clásico cine alternativo, que nos regaló una dirección de fotografía alucinante, nada hay.

Zak es un joven, actor evidentemente NO joven, con Síndrome de Down, quien en un intento de escapar de la miseria de vida que lleva, encerrado en un centro decadente; planea un escape de película absurda y subrealista. Es en libertad cuando cruza su destino con un fugitivo, de una historia mal contada, que poco nos enteramos. Por supuesto el delincuente es un guapetón, sacadito recién del horno de las pasarelas de wollywood. Se harán amigos, e intentarán tocarnos la fibra más delgada de la tristeza y la sensibilidad.

Transcurrirán por aventuras gratuitas y fantasiosas, un viaje que nos mantendrá espectantes, por si en algún minuto agradecemos no haber perdido el dinero del ticket del cine.

Quisiera decirte que es una gran broma, pero la cuidadora de Zak, quien durante toda la película lo busca, termina enamorada del maleante hombre musculoso, nuevo amigo del protagonista. Es que si, no podía ser peor.

93 minutos de tortura dura “The Peanut Butter Falcon” como es su nombre original. La que fue estrenada en Estados unidos el año 2019. En nuestro país, se espera su debut para este verano, como si ya con el virus no tuvieramos suficiente de cosas malas.

Es que en el siglo en que vivimos, y con una pandemia encima, los directores de cine deberán comenzar a replantearse las historietas que nos ponen en la pantalla grande. El caprichito, de tener dinero, una mala idea, y buenos contactos ya no es suficiente.

Dersu Uzala es a Kurosawa lo que Toro Salvaje (1980) a Martin Scorsese: su renacer de las cenizas tras una crisis existencial. Al primero lo llevó casi al suicidio y al segundo a un capuzón en la cocaína considerable del que sólo Robert DeNiro lo sacó. Esta cinta de 1975 que nos llega ahora de la mano de A Contracorriente trata el viaje del capitán Vladimir Arseniev por esa inmensidad inhabitada que es la taiga rusa y la amistad que forjará con el explorador Dersu Uzala, el cual le hará de guía. Una vez conocido este personaje, nos encontramos ante una de esas obras en las que su título no puede ser otro que su nombre, ya que el universo representado en su globalidad se funde con él, haciéndonos ver que el pequeño Dersu es parte de la misma taiga: sencillo, fuerte, y en perfecta unión con lo que le rodea.

Kurosawa nos ofrece esta unión en un ejercicio de narrativa cinematográfica impecable, cada secuencia parte de unos planos cuya composición se enmarca de forma coreográfica, dejando siempre un resultado natural, fluyente como la vida misma. Dersu es animista y nos presenta su mundo como “gente”: “gente sol” o “gente luna”, y Kurosawa parece beber de ese espíritu y hacer de su cámara una especie de “gente cámara”, ya que su manera de rodar la naturaleza crea un espacio y una mirada de comunión única. Hay un momento en que nuestro narrador se sorprende como Dersu le cuenta que le han engañado y aun así no le importa nada, remarcando esos factores sociales que todos tenemos y que en el caso del cazador están plenamente ausentes. Para ello Kurosawa insiste en el plano fijo. como si de un óleo o de la página de una obra universal se tratara. El de Dersu es un mundo distinto al nuestro, animista y natural, que también tendrá sus normas, por supuesto: entre esa “gente” suya, habrán algunos como el tigre, que será su pecado, su penitencia, su redención. Y, claro está, estemos en el mundo en el que estemos, hay algo que la vida no le perdona a nadie: el paso del tiempo.

Dersu Uzala nos habla de la sociedad y de cómo nos relacionamos con ella como individuos, pero desde fuera, desde esa taiga inhóspita, por eso es recomendable disfrutar de ella en este triste 2020 que nos empuja al ostracismo y a la rabia con el mundo. Es como un recuerdo a la comunión que tenemos con las vicisitudes de nuestra vida, a afrontarlas, a compartirlas, a superarlas, a sacar al pequeño Dersu cazador que llevamos dentro. También nos habla de la amistad, pero de esa que se forja con la experiencia, con vivencias comunes, superando vicisitudes, compartiendo el tiempo cuando hay que avanzar en el camino y cuando parece que no ocurra nada. En definitiva, compartir la aventura y la vida.

Grandes como John Huston, Joseph L. Mankievicz o Fred Zinnemann demostraron que en su última etapa aún tenían fuelle para dejarnos excelentes clásicos. Todo y que aún le quedaban en la recámara joyas como Ran (1985), Kurosawa también demostró que para renacer solamente podía hacer un canto a la vida y la naturaleza como esta Dersu Uzala.

Siguiendo con la programación del Bcn Film Fest, a través de Karma Films y bajo la dirección de Arnaud Viard, este próximo 31 de julio nos llega Quisiera que alguien me esperara en algún lugar. Basada en la novela homónima de Anna Gavalda.

Sinopsis:

Aurora se prepara para celebrar su 70 cumpleaños acompañada por sus cuatro hijos, que se han reunido para la ocasión en su bonita casa familiar. Todos parecen disfrutar de una fecha tan señalada, pero en realidad sueñan con tener otra vida. Jean-Pierre, el mayor, ha adoptado el papel de jefe de familia desde la muerte del padre; Juliette espera su primer hijo a los 40 años y todavía aspira a ser escritora; Margaux es la más radical de la familia; y Mathieu, de 30 años, vive angustiado por seducir a la bella Sarah.

Este drama familiar te sorprende de la misma manera tanto con la comedia, como con la tragedia. Muestra la intensidad de las decisiones y por ende, las consecuencias que se plantean los personajes de este largometraje.

Me atrevería a decir casi al cien por cien que este film está dedicado a la vida misma, cuatro vidas que perfectamente nos pueden pertenecer a cualquiera de nosotros, lo que hace que te llegue directamente al corazón y que tengan su punto conmovedor.

Unas historias que no dejan de ser emocionantes, porque realmente lo que estamos viendo en la gran pantalla es el retrato de unas personas encerradas en un mundo que no es el suyo, quizás sí que sea el que han escogido en algún momento de su vida, pero al final, sienten que no les pertenece y de repente alguien o algo, provoca ese cambio.

Sin ser demasiado fan del cine francés, a mi parecer, es una película que no deberíamos perdernos.

Reparto: Jean-Paul Rouve, Alice Taglioni, Aurore Clément, Benjamin Lavernhe.

Lo mejor: La intensidad en la que trascurre la película y la variedad de impresiones.

Lo peor: Nada que decir.

A Contracorriente Films y Bcn Film Fest nos han ofrecido Madame Curie “Radioactive”, bajo la dirección de Marjane Satrape (Persépolis).

Sinopsis:

Un viaje por el legado de Marie Curie desde los años de 1870 hasta la era moderna, sus logros científicos, las consecuencias para ella y el mundo y su vida sentimental. Después de conocer al científico Pierre Curie y casarse con él, la pareja cambia el destino de la ciencia para siempre con el descubrimiento de la radioactividad. La genialidad de sus avances y el Premio Nobel catapultan a la pareja al reconocimiento internacional.

Un biopic de la famosa científica que si bien, no es del todo precisa si que te cautiva de una manera profunda. Tal vez sea por su condición de mujer o por estar en un París de los años 30, pero la tenacidad, el coraje y la intrepidez la llevan a no rendirse y a luchar por sus objetivos.

Durante el transcurso de la película nos damos cuenta de que además, es juzgada por su descubrimiento. Aunque tal vez no debiera ser ella la juzgada, si no la mente humana que utiliza este descubrimiento que puede salvar vidas, en destruirlas.

Este film corrobora la energía femenina sin flaquear en ningún instante en una época dominada por los hombres.

Mención especial a la mimada fotografía del París de los 30 de la mano de Anthony Dod Mantle.

Reparto: Rosamund Pike (Perdida), Sam Riley (Maléfica), Anya Taylor-Joy (Glass), Aneurin Barnard (Dunkerque).

Lo mejor: El enfoque con el que está llevado el guión y los detalles sumamente cuidados.

Lo peor: Tal vez esperamos que sea bastante más veraz cuando entramos en el cine, sin embargo no podemos desmerecer nada de este film.

Bcn Film Fest a través de Filmin nos ha presentado Cunningham, bajo la dirección Alla Kovgan (Movement (R)evolution Africa). Un documental que estará en nuestras pantallas este próximo otoño.

Sinopsis:

Documental que reúne a la última generación de la compañía de Merce Cunnigham para representar obras emblemáticas del repertorio de este icono de la historia de la danza. Las actuaciones, presentadas en lugares poco habituales y evocadores, como un túnel, un bosque o un tejado de gran altura, se combinan con imágenes de archivo de Cunningham y entrevistas con figuras determinantes en su vida, como el artista Robert Rauschenberg y el compositor John Cage, entre otros.

Un documental totalmente cautivador de principio a fin y nada convencional que te invita agradablemente a viajar en el fantástico mundo de la danza contemporánea mezclado con el arte de la pintura y la música de la mano de los más grandes.

Este film, está dedicado a los amantes de la danza contemporánea y al arte en general, donde cuando una cosa es difícil de entender y te lo muestra como lo hace Cunnigham, se convierte en comprensión y admiración, sobre todo cuando sucede entre los años 1944 al 1972.

Un espectáculo revolucionario, innovador y sensorial en todos los sentidos. Fascina la manera que tiene de enseñar a sus alumnos sin dejar de permitir que sean ellos mismos y de qué manera convierte un movimiento cualquiera y cotidiano en un paso de baile.

Reparto: Carolyn Brown, John Cage, Ashley Chen, Brandon Collwes.

Lo mejor: El mimo con el que ha estado realizado el documental. Casi que, obligada su visualización.

Lo peor: Quizás sea sólo un film para los verdaderos amantes de lo contemporáneo, aunque invito a que lo vea todo el mundo.

En 1989, Neil Jordan ya releía con Nunca fuimos ángeles la serie de los años 50 My Three Angels donde unos delincuentes se hacían pasar por sacerdotes y acababan ayudando a la comunidad. Todo en clave de comedia (a pesar de lo insoportable que estaban Robert DeNiro y Sean Penn). Basada en hechos reales y rival al Oscar de este año de la imparable Parásitos y de Almodóvar, Corpus Christi es el tercer largometraje de Jan Komasa, quien vuelve con una historia similar, pero más profunda. Daniel es un joven -carne de cañón­- que, en su camino, tiene la posibilidad de hacerse pasar por sacerdote y así no volver al reformatorio, conviviendo a diario con los habitantes de un pueblo e interfiriendo en sus vidas.

Por un lado, el dicho nos recuerda que el hábito no hace al monje, pero tanto en Juan 21, 15-19, como en el Silencio de Scorsese de 2016, se nos recuerda que Jesús dijo a los suyos: “Apacienta mis corderos”, en tanto que uno debe darse a los demás, sea o no ni el elegido ni el mejor ejemplo moral posible. Aun así, Daniel, desafiando la primera máxima, se verá empujado a intentar mejorar el destino de los demás. Esto lo hará queriendo cambiar también su propio destino. En un país profundamente católico como es Polonia, Jan Komasa nos dibuja a un nuevo mesías en pleno desequilibrio que, antes de darse por vencido y desmoronarse, se deja llevar por la entrega total hacia el prójimo.

Por voluntad directa o bien por mandato divino, el joven Daniel se verá impelido a seguir por la senda del bien, gracias al haber vestido las ropas de pastor.  Todo ello en un discurso que podría llegar a ser denso e infumable, pero que Komasa sabe medir bien el ritmo y poner las justas notas de humor y no la deja embarrarse en una seriedad excesiva, de manera que su discurso queda ameno y ligero. Podría haber pecado de caer en una solemnidad de primera capa para luego no cuajar en el fondo, pero gracias a la definición de sus personajes, seguimos de la mano del protagonista su redención, sin tropiezo alguno. Con Corpus Christi, este joven autor parece afianzarse como una de las promesas del cine europeo.