Cine - página 2

Sinopsis:

Jessica es una joven que disfruta de una vida sin complicaciones y tiene por delante un futuro prometedor. Una noche conoce a Danny, un chico que tiene todo con lo que ella sueña: es atractivo, tiene independencia y éxito. Fascinada por él, poco a poco irá descubriendo quién es en realidad tras esa fachada construida con tanto cuidado. En un mundo superficial que solo se fija en las apariencias, ambos tendrán que enfrentarse a los prejuicios, la exclusión y a emprender una carrera contra el tiempo.

Cerca del Horizonte no es tan sólo una película para adolescentes, sino que también para los adultos, a los que somos padres nos puede enseñar cómo afrontar estas pequeñas trabas llenas de manías que acostumbramos a tener siempre y cuando pretendemos proteger a los nuestros.

Una forma de educar y concienciar al público de que lo que de verdad cuenta es la empatía y la comprensión, sin embargo y a pesar de que no es un guión para tirar cohetes ya que en el fondo es una temática un tanto repetitiva, merece la pena sentarse ante la gran pantalla, visualizarla y cuestionarnos un contratiempo de estas magnitudes en nuestra vida.

Reparto: Luna Wedler, Jannik Shümann, Luise Befort, Jamie Bick, Julia Eiber, Nicola Gründel, Henry Horn…

Lo mejor: El mensaje que transmite, sin duda.

Lo peor: Algunos puntos demasiados básicos.

Montse Delgado

Sinopsis:

A Marcos le ha dejado su novia justo cuando iba a pedirle matrimonio, le han echado del trabajo y vuelve a vivir con sus padres. Su vida se ha convertido de repente en un desastre, de los grandes.

Con semejante panorama Marcos está decidido a reinventarse y triunfar, pero no tiene ni puñetera idea de por dónde empezar. Por eso acude al lugar donde todo se encuentra: Internet. Mientras trata de aplicar los consejos de un youtuber, Marcos se cruzará con una antigua amiga del colegio, una nueva jefa, su ex-novia, unos colegas muy intensos y un montón de dudas existenciales…

Una comedia/romántica a modo de feedback que parece que últimamente está en auge esta manera de representación, algo con lo que estoy totalmente de acuerdo, ya que aún parece acercarte más al personaje y a las situaciones en concreto.

Un guión que sin tener demasiadas pretensiones logra que te identifiques con las realidades de hoy en día donde cualquier duda que se nos presente consultamos al “señor Google” y parece que de allí sacamos todas las posibles soluciones.

Si el contexto de este film es conseguir que te distraiga y te haga pasar un buen rato disfrutando de la gran pantalla… conseguido. Aunque el mérito no tan sólo se lo debemos al guión y a la dirección, sino que también a la gran interpretación de los actores que efectúan un gran trabajo.

Una de las cosas que más me ha atraído de la película es que, normalmente casi siempre presentan a las mujeres, pérdidas y sin saber qué hacer después de una ruptura, aquí, es el hombre y no precisamente un adolescente, lo cual nos demuestra que, ellos también sienten y sufren como nosotras, en definitiva, somos seres humanos con nuestras virtudes y defectos.

Reparto: Quim Gutiérrez (Litus), Natalia Tena (Amar), Ernesto Alterio (Perfectos desconocidos), Alfonso Bassave (Misterio de Amán), Alba Ribas (Barcelona, noche de verano)…

Lo mejor: Empatizas con la situación independientemente del sexo que seas.

Lo peor: Nada que decir, aconsejable salir de casa y verla en el cine.

Montse Delgado

“VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN”, “SORDO” y “EL CRACK CERO” han sido reconocidas en los Premios Feroz 2020, organizados por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE).

“VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN” – Premio Feroz 2020 a la mejor película de comedia

Luis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez, Belén Cuesta y Macarena García (acompañados por Javier Godino y Stéphanie Magnin y con la colaboración especial de Gilbert Melki y Javier Botet) protagonizan “VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN”, la inclasificable y provocadora ópera prima de Aritz Moreno.

Es una producción de Morena Films y Señor y Señora, coproducida por Logical Pictures y Ventajas de viajar en tren A.I.E. Cuenta con la producción asociada de Castelao Pictures (una compañía de Filmax), con la participación de EITB, RTVE y Movistar+, con la financiación del Gobierno de España (ICAA) y con el apoyo del Departamento de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco y CNC. Está distribuida por Filmax y las ventas internacionales corren a cargo de Seville Films International.

“SORDO” – Premio Feroz 2020 Especial

“SORDO“, dirigido por Alfonso Cortés-Cavanillas y producido por La Caña Brothers, es un film protagonizado por Asier Etxeandia, que cuenta con un reparto de excepción encabezado por Aitor Luna, Hugo Silva, Imanol Arias, Marian Álvarez y Olimpia Melinte.

Inspirada en el cómic Sordo, y ambientada en el momento histórico de la denominada Operación Reconquista, en 1944, narra la huida de un maqui perseguido y asediado por el Ejército tras haber quedado sordo en una acción de sabotaje.

Presentada en el 22 Festival de Cine de Málaga, “SORDO” es una película épica y de grandes personajes. La lucha por la supervivencia y la incomunicación que surge en tiempos de conflicto son claves en la historia de su protagonista, Anselmo Rojas.

“EL CRACK CERO” – Premio Feroz 2020 al mejor cartel, obra de Miguel Navia

“EL CRACK CERO“, dirigida por José Luis Garci, es la precuela de las míticas “El crack” y “El crack II”, con la que el cineasta ganador de un Oscar cierra la mítica saga que comenzó hace en 1981. Un film rodado en blanco y negro con el que nos vuelve a sumergir en los bajos fondos del Madrid de los 70 retomando la historia del inspector Germán Areta.

Carlos Santos da vida a la versión joven del detective y Miguel Angel Muñoz es El Moro, los míticos personajes que en su día interpretaron Alfredo Landa y Miguel Rellán. Luisa Gavasa, Pedro Casablanc, Patricia Vico, Raúl Mérida, Macarena Gómez, Cayetana Guillén-Cuervo y Luis Varela forman parte de un curtido y eficaz elenco de actores.

El cartel oficial ha sido obra del conocido ilustrador madrileño Miguel Navia, colaborador habitual de la revista Fiat Lux, especializada en el género negro, en el que también se enclava la película.

Fuente: Filmax España

Con motivo del 500 aniversario de su nacimiento, nos llega Tintoretto. Un rebelde en Venecia, de Giuseppe Domingo Romano, un documental excelente para adentrarnos en el artista italiano. Jacopo Robusti, alias “Tintoretto”, fue una de las figuras claves de la pintura italiana del siglo XVI, tanto por su estilo manierista como su carácter rebelde. Esta personalidad tan poco convencional del pintor es la base para sobre el que vehicula todo el documento, mostrándolo como el artista moderno que fue y destacando su espíritu rompedor. De hecho, en su inicio, entramos en la Venecia “tintoretta” con una máxima de uno de sus más fervientes admiradores, el cantante David Bowie, quien nos presenta al veneciano como “la primera estrella del rock”, un David Bowie que llegó a bautizar su sello discográfico como Tintoretto Music e hizo que “La Anunciación del martirio de Santa Catalina de Alejandría” (1570), se conozca hoy en día como El Tintoretto de Bowie.

A partir de ahí, paseamos por entre los lienzos del genio italiano a la vez que sobrevolamos Venecia. Su fuerza la percibimos de una forma sensorial, cercana a una sinestesia, especialmente a la hora de representar la juventud del artista, donde teñía los telares de su padre, quien trabaja como tintero (de ahí su apodo Tintoretto). Este es uno de los logros de la cinta: no es una mera representación de hechos históricos concatenados y puestos sobre fechas e interpretados por actores, sino que logra que acabemos percibiendo la presencia a través de sus personajes, sobre todo la del pintor. Lo mismo ocurre con la ciudad: no vemos a un solo ciudadano por las calles, Venecia es el telón de fondo, el escenario en el que el joven y el viejo Tintoretto vivió y respiro sus calles para acabar modelando su arte.

La obra tiene muy presente la concepción espacial cinematográfica del pintor; se cita a Kubrick y a Orson Welles como referentes de lo que es su tratamiento del gran angular y la perspectiva. Al mismo tiempo, podemos ver la pasión y el magnetismo que hacía que sus lienzos atrajeran tanto, todo gracias al ritmo y la música en los momentos pertinentes, ensalzando aquel poder de abstraer a aquel (espectador) que se pusiera frente a sus telas.

Se podía haber incidido en su rivalidad con otro artista, El Veronés, haciendo de los personajes históricos algo de ficción cercana a la de Salieri con Mozart de aquella gran Amadeus de Milos Forman, pero no osan frivolizar y tratan la obra artística de ambos de modo paralelo, en su justa medida. Domingo Romano sabe dónde está la fuerza de Tintoretto y nos la guarda en una música hipnótica para su cumbre: la Crucifixion que plasmó en 1565 para la Scuola Grande di San Rocco de Venecia. Para ella nos deja a un Peter Greenaway que apenas vimos al inicio un instante, viéndolo ahora ya extasiado con semejante obra. Con el cineasta inglés y el pintor italiano, se nos invita a hacernos la gran pregunta, en caso de haber coincidido ambos autores en el tiempo: ¿firmaría Tintoretto una obra de Greenaway, y viceversa? Igual que Bowie, seguro que sí.

Rafa Catalán

Sinopsis:

Esta es la tercera entrega de estos dos policías rebeldes, Mike Lowrey y Marcus Burnett, que vuelven a patrullar juntos en este último viaje.

Siguiendo la saga de los noventa, no decepciona en ningún momento. Hemos crecido con ellos y con los avances tecnológicos, donde los efectos especiales, las persecuciones y los tiroteos apenas te dejan respirar.

Una película de acción divertida, amena y a la vez reflexiva, que al fin y al cabo, es lo que buscamos cuando salimos de casa y decidimos ir al cine, algo que nos despeje la mente y nos entretenga. Pues con Bad Boys For Life, se consigue.

Dos horas de película que pasan a un ritmo trepidante. Si realmente esta es la última entrega de esta franquicia, lo hacen saliendo por la puerta grande y por supuesto, totalmente recomendable verla en la gran pantalla y disfrutar de cada minuto de ella.

Poco más se puede decir de ella, no es una película para ir desgranándola por secuencias, sencillamente es una película explosiva.

Reparto: Will Smith (Géminis), Martin Lawrence (Un funeral de muerte), Vanessa Hudgens (Jefa por accidente), Kate del Castillo (Nina al desnudo), Paola Nuñez (La boda de la abuela), Alexander Ludwing (Vikingos).

Lo mejor: La aventura, la velocidad en la que transcurre todo, la temática…

Lo peor: Absolutamente nada.

Montse Delgado

Sinopsis:

El alcalde de la ciudad de Lyon, Paul Théraneau, se encuentra en una posición delicada. Tras pasar 30 años en política se empieza a quedar sin ideas y  siente que sufre un vacío existencial. Para superar esta adversidad, Paul decide contratar a una brillante filósofa, la joven Alice Heinmann. Entre ambos se desarrolla un diálogo en el que sus respectivas personalidades cambian drásticamente su forma de ver y entender el mundo.

A esta película le doy un punto a favor al diálogo y a la comunicación más humanitaria y más cercana al pueblo. Un gran guión que demuestra que, bajo el punto de la humildad se puede rendir y comprender más que los que ya están intoxicados de poder.

Aunque no soy demasiado fan de las películas de origen francés, Los consejos de Alice y el mensaje que transmite me provoca a decir que es una película que no podemos ignorar, porqué te demuestra que a menudo, es más la motivación y el empeño que le pongas para que las cosas salgan como uno realmente desea que el protocolo o la burocracia, a pesar de las envidias y las rivalidades que te puedas ir encontrando en el trayecto, y me repito, siempre que lo hagas desde un punto humilde y fiel a tus propias creencias.

Reparto: Fabrice Luchini (La biblioteca de los libros rechazados), Anaïs Demoustier (Gloria Mundi), Nora Hamzawi (Dobles vidas), Léonide Simaga (Les chatouilles), Antoine Reinartz Chanson douce).

Lo mejor: No hay que negar la evidencia del buen trabajo de los protagonistas y sobre todo, el mensaje que transmite.

Lo peor: Si no eres muy dado a los diálogos de política, puede hacerse un tanto ardua, pero no hay que darle demasiada importancia ya que por lo demás, fluye por si misma.

Montse Delgado

Sinopsis:

Madrid de los 70, y en el barrio madrileño de Malasaña se instala una familia dejando el pueblo atrás y buscando la prosperidad. Lo que la familia Olmedo desconoce, es que ese traslado, se convertirá en la peor de sus pesadillas.

Malasaña 32 es una película que te mantiene inquieto y en vilo desde prácticamente el minuto uno, forma parte del género del terror clásico, que aún sabiendo que la siguiente escena te va asustar, te sobresalta igual.

La recreación tan precisa de los 70, la música de fondo, los ruidos casi imperceptibles y el gran trabajo de los actores logran que sea una película llena de tensión a la vez que a su parte distraída por la premura y la incertidumbre en la que van sucediendo las cosas.

Tal vez no sea una película con un súper guión original, ya que la temática es algo repetitiva, pero no necesita serlo, puesto que todo el conjunto hacen de ella… una buena película de terror totalmente recomendable para ver en la gran pantalla.

Reparto: Begoña Vargas (Alta Mar), Iván Marcos (Fariña), Bea Segura (Los secretos de las seis esposas), Sergio Castellanos (Todos lo saben), José Luis de Madariaga (Fidel), María Ballesteros (Tiempo después).

Lo mejor: El grado de inquietud constante y me reitero con el gran trabajo de los actores y la ambientación del largometraje.

Lo peor: Nada que decir.

Montse Delgado

Hacer un top de las mejores películas siempre es polémico y cada uno es hijo o hija de sus padres a la hora de ver el cine y la vida misma. Sin embargo, no puedo dejar de hacer una lista, muy limitada porque podría extenderme, de las películas que más me gustaron, marcaron y emocionaron en el 2019. Cada uno o una puede estar o no de acuerdo con algunas de ellas, pero éstas son para mi las mejores películas que pude ver el año que acabamos de dejar atrás:

“Fin de Siglo”, (Lucio Castro) y “Un rubio”, (Marco Berger).

Empiezo colando dos películas porque tratan un tema similar, las dos tienen carencias y puntos muy positivos e interesantes, por lo que compensan. Interesantes, delicadas  e intimistas películas sobre la relación homosexual de hombres modernos y urbanitas. Con perfiles y contextos diferentes podemos identificar sentimientos y momentos de pareja o aspirantes a ellas que sobrepasan a todo tipo de gustos sexuales y sentimentales. Berger, como siempre, destaca la sensualidad y el detalle del erotismo del cuerpo masculino y nos cuenta una relación complicada que superan prejuicios con una naturalidad y delicadeza que emociona y juega con cuál es el límite de la homosexualidad y heterosexualidad. Castro, sin embargo, con su primera película nos pone en una situación de “y si…”, donde vemos las dos posibles vidas del protagonista y quedamos con la duda de cómo puede ser la vida si tomamos una u otra decisión. Interesantes perfiles urbanitas con acento argentino.

“Monos”, (Alejandro Landes).

Esta película se presenta como doble crítica a la sociedad mediática y casi enganchada a la guerra como lo es parte de la sociedad colombiana (podría decirse de muchos más países). En el caso de Colombia afecta mucho porque acaba de salir, al menos en el papel, de una guerra civil de más de medio siglo. El formato y planteamiento del “campamento de guerra” como presenta Landes, rompe con esquemas de cómo se normalizó la guerra en Colombia. Una visión cruda y dura en el que el humor y el drama se mezclan en una especie de Reality Show que no deja bien parada a una sociedad castigada por tantos años de violencia.

“Toy Story 4”, (Josh Cooley).

De nuevo las aventuras de nuestros juguetes favoritos nos trajeron alegrías y emoción con sus tiernas, divertidas y nostálgicas historias. Hablar de la niñez y la transición a la juventud ya se retrató en esta misma saga como otras grandes películas de animación. Como toda buena producción de Pixar, tanto pequeños como adultos disfrutamos de esta gran película y seguimos aprendiendo de la amistad.

“Dolor y gloria”, (Pedro Almodóvar).

Dolor y gloria define muy bien la vida del protagonista, del propio director y uno de los cineastas más importantes de España. Almodóvar nos abre las puertas de su casa y su intimidad, si ya en otras ocasiones veíamos posibles tintes biográficos, la importantancia de la figura materna y vivencias no convencionales y poco vistas en el Mainstream, aquí podemos ver a un Pedro Almodóvar al desnudo. Interpretado por un impresionante Antonio Banderas y que ha sido aplaudido en todo el mundo, esta película nos hace entender los miedos, dudas y locuras de uno de los grandes. Pese a ser su vida, podemos identificarnos con muchos miedos y a entender adicciones en esta sociedad de de la ansiedad. Toda una historia peculiar sobre despertar sexual, el crecimiento y las dudas pese a ser una estrella que nos acer más a su autor.

“Los días que vendrán”, (Carlos Marques-Marcet).

El director catalán nos vuelve a hablar de la relación de pareja, de los miedos, dudas y crisis que se enfrentan en nuestra sociedad. Todo ello forma parte de la crisis de la estructura de familia y de pareja en nuestro tiempo. Marques-Marcet trata con ternura, realismo y delicadeza los momentos frágiles de una relación, de las dos partes frente a “los días que vendrán” cuando se decide tener un bebé. Como no parece ser una decisión y tarea fácil, los personajes nos conmueven con sus dudas y miedos y nos pone frente a la pantalla lo que desean (deseamos) que sean sus vidas y cómo realmente la vida, la biología y las circunstancias marcan el camino.

“Mientras dure la guerra”, (Alejandro Amenábar).

Imprescindible película de un año convulso y potente en España, tanto por la actualidad política como por la memoria histórica que parece que una parte de la sociedad española no tiene. Amenábar nos transporta a un tema de actualidad y una figura controvertida, Unamuno, que depende del momento detestamos o admiramos. Todo ello, igualmente se puede comprender en lo personal y en los contextos que se desarrollan. Una visión y un Unamuno muy humano que pasa de creer que se come el mundo y el golpe de Estado del 36 a ser apartado cuando planta cara. Sin duda un personaje y una película que ha dado mucho que hablar pero donde claramente muestra al fascismo tal y como es, un monstruo sin cabeza que en su mayor parte del tiempo sólo sabe argumentar con un grito: “¡Viva España!

“Comportarse como adultos”, (Costa-Gavras).

Basado en el libro del ex-ministro griego Yanis Varoufakis, el director de cine político Constantin Costa-Gavras reflejó muy bien la falta de democracia en diferentes países y en las dictaduras en Europa de hace décadas, sin embargo, esta película no salva a la Europa contemporánea de sus déficits democráticos. Tremendo retrato de cómo se castiga a un pueblo que vota por otra vía y marca el camino a partidos o pueblos europeos que decidan ir por otra vía que no sea por el que decide la dictadura económica marcada por Bruselas. Visión política y personal muy acertada tras una década de decadencia democrática y económica que los mercados someten no sólo a medio planeta sino también al sur de Europa.

“La hija de un ladrón”, (Belén Funes).

Conmovedora, realista y dura ópera prima de Funes que nos muestra esa Barcelona invisibilizada, la de los barrios populares. Aquí parece que no hay conflicto nacional, sino conflicto social y laboral. Las magníficas interpretaciones nos mete de lleno en los barrios populares de Barcelona como si de un documental se tratase. La familia desestructurada, la precariedad laboral y el contexto económico hostil nos muestran perfiles que no tienen problemas de hablar tanto catalán como castellano. La obra no sólo nos muestra la cruda realidad de la pobreza y la precariedad, sino que nos muestra una sociedad donde el sentimiento de la soledad está cada vez más presente.

“Sorry we missed you”, (Ken Loach).

Película impresionante, como nos tiene acostumbrado el director británico, sobre las innumerables historias de los y las que no tienen voz. Cruda realidad de la clase trabajadora y precaria que lo hace para que otros tengamos los placeres y caprichos en la puerta de nuestra casa. Loach nos muestra, con su estilo dramático, tintes cómicos y tiernos, los engaños de nuestro modelo económico y de consumo. La crítica al modelo de falsos autónomos y a la sociedad de consumo para tenerlo todo de inmediato y barato nos pone frente a vidas esclavizadas para que el modelo se mantenga. A todo ello, se suma la complejidad de mantener estructurada una familia. Las relaciones de padres e hijos/as siempre son complejas en varios momentos vitales, pero hay momentos en los que el irrespeto y vergüenza que fomenta esta sociedad neoliberal son más evidentes contra quienes se rompen la espalda por nosotros y nosotras: nuestros padres y madres.

“Les misérables”, (Ladj Ly).

El propio nombre nos dice cómo son tratados los excluidos y sin voz. Quizás sea, para mi, la mejor película del 2019. La cruda realidad y complejidad de los barrios periféricos de las grandes ciudades son varios mundos a la vez. El propio abandono estatal, las pocas oportunidad y el sistema económico crea muchos muros invisibles entre la ley, la contra ley y la gente que tiene que padecer el abandono y uso de las dos partes. Sin embargo, pese a los grandes problemas y pocas salidas que se ven a la vista, donde las propias dinámicas desvían o frenan a quienes tienen buenas intenciones, queda la esperanza antes de acabar con todo quemado. Aunque parece que se condena a estas personas a que acaben lanzando fuego contra toda jerarquía que se levanta para usarlas para su beneficio. Un reflejo de lo que no queremos ver en nuestras ciudades donde tiene un papel importante los europeos con rasgos africanos, latinoamericanos, árabes, asiáticos, etc. que son son de aquí pese a no ser tenidos en cuenta. Impresionante comienzo donde el sentimiento nacional está a flor de piel por quienes sólo lo entienden de una forma.

Jorge A. Trujillo

Sinopsis:

El director ganador del Oscar Ron Howard presenta a la audiencia la voz, el hombre, la leyenda: Luciano Pavarotti. Creada a partir de una combinación de personalísimas actuaciones de Pavarotti y el acceso a imágenes inéditas, la película proporciona al público un íntimo retrato del más querido cantante de ópera de todos los tiempos.

Tal y como bien dice la sinopsis, es un retrato íntimo, una representación la cual nos hará sentir estar más cerca de este gran tenor y conocerlo un poco más tanto como celebridad como al hombre en sí, no obstante, sigue habiendo algunas partes reservadas entorno a la vida de Pavarotti.

Este film logra que te emociones, que te contagies del optimismo que desprende Pavarotti y que en más de una ocasión consigue que aflore tu sonrisa. Un documental hecho a medida para todos los amantes de la ópera y de sus seguidores.

Una película con humanidad, casera, cercana, un homenaje a esta gran persona que, a partes iguales, su voz y su personalidad, hicieron que de él naciera una estrella en todos los ámbitos.

Con la participación de: Plácido Domingo y José Carreras, además hablarán sobre él, su mujer, sus hijas, su amante y su manager entre otros.

Montse Delgado

Sinopsis:

Lis es una adolescente que sueña con convertirse en artista de circo y salir de su pueblo, aunque sabe que para conseguirlo tendrá que pelearlo duramente con sus padres. Es verano y se pasa el día jugando en la calle con sus amigas y tonteando con su novio, unos años mayor que ella. La falta de intimidad y el chismorreo constante de los vecinos obligan a Lis a llevar esa relación en secreto para que sus padres no se enteren. Una relación que cambiará su vida para siempre.

Esta película es parte de la experiencia personal de la directora, de la misma manera que puede ser parte de cualquiera de nosotros que o incluso de alguno de nuestros hijos. Diría que la película se centra en los 90, por la música maquinera que suena. La etapa de la adolescencia, en la todo el mundo está en su contra y que no hay más razón que la de ellos, se transforma en una etapa de rebeldía en que la mayoría de veces no se piensa con coherencia y se actúa sin pensar en las consecuencias. Todos hemos pasado por eso.

Por esta razón, he tenido la sensación de que no es más que un recuerdo que, y repito, cualquiera de nosotros puede haber vivido y que ahora nos sentamos y rememoramos sentados en cualquier terraza.

No he podido menos que fijarme en un Sergi López, encasillado en el de padre y dominando el patriarcado.

Con esto no pretendo decir que sea una mala película, sí no más bien, cualquier historia personal llevada a la gran pantalla.

Reparto: Carmen Arrufat, Laia Marull, Sergi López, Joel Bosqued.

Lo mejor: No puedo decir demasiado a favor, aún así, recomiendo verla, porqué tal y como se dice, contra gustos… colores.

Lo peor: A mi gusto, me ha sabido mal ver a un actor de la magnitud de Sergi López, interpretando casi, el mismo papel que en una de sus anteriores y recientes películas.

Montse Delgado