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Cine - página 2

Contagio en alta mar

Crítica por Rafa Catalán

en Cine

De A Contracorriente nos llega una cinta que parece un homenaje a aquellos clásicos de los setenta y ochenta como Alien (1979) o La Cosa (1982). Seguramente habría otros muchos títulos similares, pero estos son los más representativos, y la estructura es la misma que esta nueva Sea Fever: una nave (ya puede ser un buque, un hangar o un carguero espacial) zarpa con un destino y un protocolo concreto, pero en su trayecto se encontrará con un cambio de rumbo que afectará a la tripulación, y es cuando pasamos de la road movie al thriller. Lo mejor de este plot line, que lo hemos visto docenas de veces, es que es ya un clásico y que en ocasiones tenemos la suerte de que nos sorprenda un poco. Contagio en alta mar estaría a medio camino entre la originalidad y esa docena antes citada. La tensión llega pronto pero siempre sin mostrar nada, sutilmente, puede que incluso peque de comedida, pero aumenta su fuerza con la asfixia de vivir toda esa amenaza en alta mar. Si tuviera más atmosfera ochentera, incluso solamente el grano de entonces en su cinta ganaría unos puntos. Un dato que desconocía (tal vez cosas de leyendas celtas o gaélicas) es la mala suerte que trae una joven pelirroja en una embarcación. Huelga decir pues, que la mala suerte se cumple si no, no estaríamos ante un thriller. Tal vez se eche a faltar algún susto para removernos en la butaca, pero se aguanta como suspense sencillo con pelirroja gafe.

El Muro de Berlín a través del cine

Tercer podcast de La Torna Migrada & Bazar Show Magazine en colaboración con Berlin&Film - por Jorge A. Trujillo

en Cine

La Torna Migrada & Bazar Show Magazine lanzamos el tercer podcast en colaboración con Berlin&Film. El pasado 9 de noviembre del 2020 se cumplieron 31 años de la caída del muro de Berlín. Por esta razón, hemos hecho un programa especial dividido en dos partes para hablar desde el 13 de agosto de 1961, cuando se construyó el Muro de Berlín, hasta su caída el 9 de noviembre de 1989. Hemos dividido el programa en dos para poder analizar cada una de las películas con más tiempo y poner más cortes. Así, conoceremos más sobre lo que nos cuenta el cine sobre este proceso histórico que acabó con la Guerra Fría y además conoceremos algunas anécdotas muy interesantes. Este acontecimiento desencadenó la Reunificación alemana y puedes escuchar el podcast anterior sobre este tema. 

Películas en los cortes del Podcast parte 1:

“¡Un, dos, tres!” (One, two, three! 1961) de Billy Wilder.

“El túnel 28” (Escape from East Berlin, 1962) de Robert Siodmark.

“La vida de los otros” (Das Leben der Anderen 2006) de Florian Henckel von Donnersmark.

“Coming out” (1989)de Heiner Carow.

                                   

Sarajevo : State in Time – In-Edit 2020

Crítica por Rafa Catalán

en Cine

Benjamin Jung y Théo Meurisse nos ofrecen este contundente documental sobre el NSK y los Laibach. Neue Slowenische Kunst (Nuevo Estado Esloveno) fue un grupo cultural creado en 1984, que se revitalizó a partir de la guerra de Bosnia como respuesta a la violencia del momento. Con estética retro como base y con Malevich de la mano, reivindicaban una mirada al pasado para entender el loco presente al que se habían visto abocados. Laibach se unió al movimiento y lo petó difundiendo los principios del NSK bajo una batuta neo-punk de lo más cañera. Y, finalmente, se sumó a ellos el grupo artístico Irwin para rematar el estado de la cuestión. Lo mejor de la cinta es lo concisa que es: sus intervenciones son cortas, precisas y definitorias y, por supuesto, los logros ante las vicisitudes son impactantes. Vemos conciertos de grupos de hoy interpretando a Laibach, mejor dicho, releyendo a Laibach. Pero también a ellos mismos en grandes momentos de entonces, como cuando tocaron el día anterior de la entrada de la OTAN, o su último concierto, en el que repartieron pasaportes “diplomáticos” bajo la bandera del NSK, con los cuales mucha gente pudo moverse por el país, demostrando que una revolución cultural, a ritmo de conciertos, puede ser la mejor salida.

Phil Lynott: Songs For While I’m Away -In-Edit 2020

Crítica por Rafa Catalán

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Emer Reynolds firma este nuevo manifiesto en pro de la figura del líder de Thin Lizzy, Phil Lynott. Cantante y bajista del grupo de los 70, su figura queda aquí un tanto opaca por incidir no tanto en su arte y su esplendor, como sí en la melancolía y nostalgia que dicen que tenía con, entre otras cosas, su tierra natal, hecho que lo deja con una cierta pátina de tristeza.

A medida que avanza el documento, Reynolds no parece querer incidir en su arte ni en la superación que tuvo cuando, por ejemplo, cambió de grupo y renovó su música, y sí ahondar en lo personal pero siempre con una mirada triste y un tanto oscura. Esto no parece llevar a gran cosa, puesto que luego tampoco se vislumbran las verdaderas razones de su suicidio. Durante todo el metraje, se elude sus escarceos con las drogas, pero luego, ya al final, lo tratan como un problema que tuvo de siempre, cosa que también queda ambigua. A él lo vemos poco, más a su familia, pero aun así no dejamos de tener presente su sello musical a ritmo de su bajo y por qué fue tan singular.

Destaca los problemas que tuvo con el racismo y exclusión que sufrió, al ser un mestizo en Irlanda, pero tampoco a él, al protagonista, lo vemos poco reafirmándose al respecto, una constante imagen de una cinta cada vez que su voz está presente. Sí vemos a sus amigos, compañeros de grupo, e incluso a un Adam Clayton de U2 sentenciando una máxima respecto al rock y a la vida, afirmando literalmente que “a esa edad, eres capaz de hacer cosas que no podrás volver a hacer nunca más, pero de eso no te das cuenta hasta que cumples los 35.”

White Riot – In-Edit 2020

Crítica por Rafa Catalán

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Este In-Edit 2020 se ha inaugurado con White Riot, un documento donde su directora, Rubika Shah, nos abre las páginas del fanzine inglés Rock Against the Racism (RAR), dando voz a su creador, Red Saunders. A mediados de los años 70, esta revista fue el principal impulsor que respondió al auge de las manifestaciones neofascistas inglesas, encabezadas por el Frente Nacional (NF), liderado por un tal Martin Webster. White Riot es la canción de The Clash, que servirá al documental a llevarnos hasta por un camino donde culminará esa lucha antifascista en el concierto organizado por RAR, para esa generación.

Para ello, Shah alterna la narración de Saunders con todo tipo de archivos: cartas, vídeos, revistas y recortes, de modo que ya no solo muestra la importancia de la cultura underground del momento, sino que nos hace disfrutarla, mostrando datos y contenido con gráficos característicos de ésta: un buen entramado que logra meternos en el pop de la época.

A medida que avanza, en White Riot vemos declaraciones testigos de los hechos, como el líder del grupo Steel Pulse, que fue agredido en una de las batidas que hicieron las cuadrillas fascistoides. Como la marcha de Mussolini sobre Roma, todo culminó en una gran concentración donde se juntaron ambos bandos y, aunque según la policía fueron los mayores disturbios desde la Segunda Guerra Mundial, la cosa pudo haber acabado muchísimo peor. Vemos como se consiguió unir a The Clash y a Tom Robinson contra el racismo; aquí, no lo cuenta, lo muestra, de ahí que la base de este White Riot es su gran fondo de archivo audiovisual. Pero también, de forma concisa, nos muestra muy bien cómo, por ejemplo, los inmigrantes indios se identificaron con la cultura british a través de la música de Tom Robinson. Su ritmo es ágil logra entrar en el Londres de la época y de pleno en el festival.

 

‘El Secreto: Atrévete a Soñar’. El 23 de octubre en cines

Crítica por Montse Delgado

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El próximo 23 de octubre Vértigo Films nos trae a la gran pantalla, El Secreto: Atrévete a Soñar. Dirigida por Andy Tennant.

Sinopsis:

Miranda Wells, una joven viuda trabajadora que lucha por sacar adelante a sus tres hijos cuando, una poderosa tormenta traerá un desafío y un hombre misterioso, Bray Johnson, a su entorno familiar. En tan sólo pocos días la presencia de Bray vuelve a encender el espíritu de la familia, pero él trae consigo un secreto oculto en su interior… Un secreto que podría cambiarlo todo.

Este film basado en el Best-Seller de Rhonda Byrne, El Secreto (2006), vendiendo más de 34 millones de copias y traducido a 50 idiomas, permitió que millones de personas desarrollaran algo que desconocían por completo logrando así una paz interior con ellas mismas.

Posteriormente se hizo un documental igual de efectivo que el libro y ahora… la película. Un logro total a la continuidad de El Secreto.

Debo indicar que los principales actores interpretan a la perfección lo que podríamos llamar el yin y el yang de los pensamientos de las personas consiguiendo por completo reflejar el significado de dicho libro. Porqué, no todo se soluciona con palabras, sino que también las miradas de convicción a la hora de expresar el significado de las frases que poco a poco van fluyendo, y tú, como espectador las vas cazando al vuelo.

Ni que decir tiene que soy una fiel seguidora de Rhonda Byrne y que con esta adaptación lograrán abrir muchos más pensamientos.

Una obra maestra con grandes dosis de motivación y optimismo que, llega justo en un momento donde todos, necesitamos un poco de esperanza a nuestro alrededor.

Cinco estrellas sobre cinco, por el mensaje que transmite, por la fotografía, por la gran labor de los protagonistas y por saber alcanzar la reflexión de El Secreto.

A los incrédulos, a los que se sienten frustrados, a los confiados, a los ingenuos, a los optimistas, a los satisfechos… A todos ellos les convido a que vayan a ver esta película y que lo hagan con la mente abierta, porqué… no sólo es una historia más de romanticismo.

Reparto: Katie Holmes (Ocean’s 8), Josh Lucas (Le Mans ’66), Jerry O’Connell (El puente de los enamorados), Celia Weston (Mejor que nun

‘Nuestros mejores años’. Made in Italia con amor

Crítica por Fernando Moya M.

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No todo el 2020 sería una triste realidad. Y es que para mi, el cine italiano ha puesto la guinda de la pandemia. Una dulce y agresiva cinta, que nos dará sensaciones, y gustos prohibidos.

cuatro amigos dispuestos a contar su historia a lo largo de 40 años. Una apuesta que podría romper nuestros cerebros, pero que finalmente nos envuelve en deseos.

Los amores de juventud no siempre se quedan en la flor de los 15 años. Estos cuatros amigos nos contarán, la tragedia griega que puede ser mantener un amor de infancia, hasta cuando las canas llegan a nuestras vidas.

¿Te imaginas reencontrarte con ese amor de niñez que colmó tu estómago de sensaciones inocentes y carnales? una maravilla. Pero qué pasa si nada es tan hermoso como lo imaginabas.

El director Gabrielle Muccino, nos regala este drama, de amores escandalosos y promiscuos, que nos llenará los corazones cinematográficos. Una apuesta de la industria italiana, titulada en su versión original como “GLI ANNI PIÙ BELLI”. cerca de dos horas de película, nos mantendrán ocupados.

Una historia que comienza en los años 80, y nos llevará por varias décadas, para comprender que el amor puritano, puede transformarse en un amor malo. Que nuestros amigos, por muy amigos, siempre tendrán ese deseo sexual por delante de cualquier cosa y que Roma y Nápoles siempre serán un buen spot para filmar una película.

‘Verano del 85’. En cines el 9 de octubre

Crítica por Rafa Catalán

en Cine

De la mano de Golem, nos llega la última cinta de François Ozon, Verano del 85. Este autor francés ya ha demostrado con creces ser un cineasta valiente en mostrar la fascinación del mundo desde la mirada de la juventud y, aunque sin acabar de rematar su obra perfecta, en este caso sale nuevamente airoso. Alexis y Benjamin son dos jóvenes (twinks, para ser exactos) que se conocen en la costa de Normandía en una vicisitud en la que uno salva la vida de otro, más tarde intiman, se enamoran y, curiosamente, surge la promesa con la que, si Alexis muere, Benjamin deberá bailar sobre su tumba. A partir de aquí, asistimos al verano con primer amor juvenil, digno de aquellas Pauline en la playa de Rohmer o Call me by your name de Guadagnino. Huelga decir que, ante semejante presentación, y como en la mayoría de las obras del género, la cosa no acaba como para comer perdices (véase Brokeback Mountain, La ley del deseo o Carol), pero lo importante es el tratamiento que hace Ozon con todo ello.

Desde un inicio, Benjamin dice estar obsesionado por la muerte, pero en su iniciación acaba encontrando la pasión. Ozon de nuevo enmarca a sus personajes entre la fatalidad y el deseo, el eros y el tánatos, incluso parece entrar en aquella anticipación de la muerte que George Bataille llamó la petite mort, pero sin llegar a profundizar excesivamente. Tal y como hizo en su notable En la casa (2012), enmarca a sus personajes en el ámbito familiar para luego ir despojándolos poco a poco de lo que los inmoviliza y poder así crear un arco dramático coherente. El atractivo de Ozon está en esos toques de sugerente erotismo con los que inicia el relato, como el momento en que Benjamin entra en casa de su amigo Alexis y acaba encontrándose desnudo en el baño ante la madre de este, que acaba de conocer. Todo y no seguir con este tono de seducción, el director consigue moldear esa atracción hacia los senderos del thriller, por muy teen que este acabe siendo.

Casi como una pauta ya en el autor, hay alguien que acaba de una forma u otra transfigurado, o bien en otro personaje, o bien en otro sexo, u otro género, como una especie de alteridad que lo confronta con esa realidad que no quería aceptar. También hay ecos de La rama dorada, de Frazer, donde todo sucesor acaba asumiendo su papel y se hace con la figura de aquél que le adoctrinó. Es como si Ozon quisiera abarcar demasiados temas cuando, en el fondo, lo que parece querer mostrarnos no es más que la disertación de un recuerdo con la que Benjamin tratará de dar sentido a su vida. Aun así, muestra seguir con su buen pulso de gran cronista de las emancipaciones sexuales, no al nivel de la citada En la casa o su también notable Joven y bonita (2013), pero simplemente correcto en su propio patrón de la inicialización sexual.

La Reunificación alemana a través del cine

Nuevo episodio de “El cine y Berlín” para Bazar Show Magazine - por Jorge A. Trujillo

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La torna migrada & Bazar Show Magazine lanzamos el segundo podcast en colaboración con Berlin&Film. Hoy 3 de octubre de 2020 se celebran los 30 años de la Reunificación alemana. Para ello, hemos seleccionado las siguientes películas para analizar y conocer más sobre lo que nos cuenta el cine sobre este proceso histórico que aún no parece cerrarse. 

Berlin Babylon (2001) de Hubertus Siegert

Berlin is in Germany” (2001) de Hannes Stöhr

Gundermann” (2019) de Andreas Dresen

Freies Land (Free Country) (2019) de Christian Alvart

Tan lejos, tan cerca” (In Weiter Ferne, so Nah)(1993) de Wim Wenders

Corre Lola corre (Lola rennt)(1998) de Tom Tykwer

Good Bye, Lenin! (2003) de  Wolfgang Becker

    

 

Regreso a Hope Gap, el 9 de octubre en cines

Crítica por Montse Delgado

en Cine

El próximo 9 de octubre y de la mano de A Contracorriente Films, nos llega a la gran pantalla la ganadora del BCN Film Fest 2020, Regreso a Hope Gap. Escrita y dirigida por William Nicholson.

Sinopsis:

Un joven viaja a un pueblo costero cerca de Hope Gap para pasar un fin de semana con sus padres, una vez allí, su padre le confiesa su intención de marcharse de casa cuanto antes y poner fin a sus 29 años de matrimonio. Después de esta noticia, cada miembro de la familia tendrá que buscar la manera de recomponerse y tratar de salir adelante.

Regreso a Hope Gap es la adaptación a la novela del propio Nicholson publicada en 1989, El retiro de Moscú. Un drama maduro e inteligente, donde un matrimonio totalmente desvanecido llega a su fin y nos descubre las reales e incomodas situaciones de una separación.

Es un film rico en palabras donde la poesía, acompañada de grandes dosis de buena fotografía hace que sientas la emotividad de cada situación.

Sin embargo, siendo como es una película dirigida a un público más maduro de lo que acostumbramos a ver, recomiendo que se anime a verla se tenga la edad que se tenga, ya que los diálogos tanto de los progenitores, como de su joven hijo, pueden llegar a hacerte reflexionar sin la necesidad de llegar a tener preferencia por ninguno de sus personajes.

Y aunque la banda sonora pase un tanto desapercibida, la recibes con buen oído cuando le prestas la suficiente atención.

La experiencia al salir de la sala ha sido positiva, emotiva y entrañable.

Reparto: Annette Bening (Como la vida misma), Bill Nighy (La librería), Aiysha Hart (Colette), Josh O’Connor (Only you).

Lo mejor: La madurez y el sentido de la película.

Lo peor: Nada que decir.