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Cine - página 2

‘Dersu Uzala’ (1975) vuelve a la gran pantalla

La obra maestra de Akira Kurosawa se reestrena mañana en cines - crítica por Rafa Catalán

en Cine

Dersu Uzala es a Kurosawa lo que Toro Salvaje (1980) a Martin Scorsese: su renacer de las cenizas tras una crisis existencial. Al primero lo llevó casi al suicidio y al segundo a un capuzón en la cocaína considerable del que sólo Robert DeNiro lo sacó. Esta cinta de 1975 que nos llega ahora de la mano de A Contracorriente trata el viaje del capitán Vladimir Arseniev por esa inmensidad inhabitada que es la taiga rusa y la amistad que forjará con el explorador Dersu Uzala, el cual le hará de guía. Una vez conocido este personaje, nos encontramos ante una de esas obras en las que su título no puede ser otro que su nombre, ya que el universo representado en su globalidad se funde con él, haciéndonos ver que el pequeño Dersu es parte de la misma taiga: sencillo, fuerte, y en perfecta unión con lo que le rodea.

Kurosawa nos ofrece esta unión en un ejercicio de narrativa cinematográfica impecable, cada secuencia parte de unos planos cuya composición se enmarca de forma coreográfica, dejando siempre un resultado natural, fluyente como la vida misma. Dersu es animista y nos presenta su mundo como “gente”: “gente sol” o “gente luna”, y Kurosawa parece beber de ese espíritu y hacer de su cámara una especie de “gente cámara”, ya que su manera de rodar la naturaleza crea un espacio y una mirada de comunión única. Hay un momento en que nuestro narrador se sorprende como Dersu le cuenta que le han engañado y aun así no le importa nada, remarcando esos factores sociales que todos tenemos y que en el caso del cazador están plenamente ausentes. Para ello Kurosawa insiste en el plano fijo. como si de un óleo o de la página de una obra universal se tratara. El de Dersu es un mundo distinto al nuestro, animista y natural, que también tendrá sus normas, por supuesto: entre esa “gente” suya, habrán algunos como el tigre, que será su pecado, su penitencia, su redención. Y, claro está, estemos en el mundo en el que estemos, hay algo que la vida no le perdona a nadie: el paso del tiempo.

Dersu Uzala nos habla de la sociedad y de cómo nos relacionamos con ella como individuos, pero desde fuera, desde esa taiga inhóspita, por eso es recomendable disfrutar de ella en este triste 2020 que nos empuja al ostracismo y a la rabia con el mundo. Es como un recuerdo a la comunión que tenemos con las vicisitudes de nuestra vida, a afrontarlas, a compartirlas, a superarlas, a sacar al pequeño Dersu cazador que llevamos dentro. También nos habla de la amistad, pero de esa que se forja con la experiencia, con vivencias comunes, superando vicisitudes, compartiendo el tiempo cuando hay que avanzar en el camino y cuando parece que no ocurra nada. En definitiva, compartir la aventura y la vida.

Grandes como John Huston, Joseph L. Mankievicz o Fred Zinnemann demostraron que en su última etapa aún tenían fuelle para dejarnos excelentes clásicos. Todo y que aún le quedaban en la recámara joyas como Ran (1985), Kurosawa también demostró que para renacer solamente podía hacer un canto a la vida y la naturaleza como esta Dersu Uzala.

¿”Drama” o “Valeria”?

Las dos series españolas protagonizadas por mujeres que dan de qué hablar - por Jorge A. Trujillo

en Cine/Plataformas

Las series “Drama” y “Valeria” han sido muy comentadas en los medios y programas especializados de cine y series en las últimas semanas. Muchas alabanzas y comentarios sobre las dos series en dos ciudades tan importantes como el Madrid de “Valeria” y la Barcelona de África en “Drama. No vamos a centrarnos en la buenas interpretaciones de las dos, destacando la naturalidad y frescura más clara en “Drama”. La estética es muy diferente pero bien cuidada, aunque una nos parezca un pastel empalagoso y otra sea un poco más cruda. Analizaremos como siempre, lo que cuentan y lo que hay de realidad en ellas.

Valeria vive en Madrid y se junta con sus amigas para hablar de sus amores y desamores, sus miedos, sus dudas personales y profesionales. Intenta ser una “Sexo en Nueva York” pero se queda corta, no porque la de Carrie Bradshaw sea la gran serie pero sí porque significó mucho a finales de los 90 y durante los primeros años de los 2000. De eso ya veinte años y “Valeria” hace un calco pero en el Madrid del 2020. Por tanto, es difícil reproducir algo de hace veinte años y mostrarlo como moderno. Es cierto que Valeria roza temas femeninos interesantes y quizás refleja a un tipo de chicas, no creo que para nada mayoritario. Sus personajes son unas niñas adolescentes de treinta y pocos años, estupendisimas, que infantilizan a la mujer y además parecen no haber entendido la lucha feminista. Los temas se quedan en la superficie y el trato es muy empalagoso. Se puede ser tierno o ser algo dulzón pero profundizando en los miedos y acercándose a la vida real de las mujeres de a pie. Por lo demás, “Sexo en Nueva York” ya lo trató con descaro en su momento y veinte años después la vemos muy simple. Valeria vive en un piso espectacular pero está en paro y no tiene un duro y su novio se queda también sin trabajo. ¿Os lo creeis? lo del paro sin duda, pero pagar un piso como el que muestran la aleja de la realidad. La sensación que transmite Valeria es de una “Peter Pan” femenina pero no va al fondo de la cuestión, ni de la desigualdad de género, simplifica el feminismo al sexo y no representa la precariedad real de nuestra generación. Sus aventuras y acciones son llevadas por la motivación casi exclusivamente pasional y amorosa. Qué no dudo que es una de las cosas que realmente mueven nuestras acciones, pero todos sabemos lo duro que son nuestros nuestros conflictos internos aunque los disfracemos de impulsos pasionales.

Mi apuesta, sin ser perfecta, es por sí elogiar “Drama” porque me la creo en la Barcelona actual. Cierto que es una generación más jóven que Valeria pero África es más creíble porque, para empezar, vive en un piso compartido. Quizás un poquito más “Cool” de lo normal pero está mejor trabajado al parecerse a un piso compartido de verdad donde viven postuniversitarios. Sus diálogos, sus impulsos, sus miedos y sus desfases parecen más reales. Eso sí, quitando a los amigos pijos de una fiesta, que son el puro postureo irritante que hay en el pijerío barcelonés. Pero África es precaria y sus compañeros de piso también se rebuscan la vida y posiblemente seguirán compartiendo piso a la edad de Valeria y sus amigas. Además, están un poco pasados de peso y muestras cuerpos reales, ni los tíos están extremadamente cachas ni las chicas son perfectamente estupendas. Nos vemos reflejados en África y sus amigos porque, pese a tener unos cuantos años más que ella, se acerca a nuestras vidas en lo social y económico. Respiran y producen más realidad y es cruda a la hora de mostrar el machismo y una parte de su violencia. Las borracheras que tienen son reconocibles y los dramas también. Ciertamente, reproduce algunos tópicos, al igual que Valeria (los tópicos a veces son por algo pero son superficie) pero en ¨”Drama” se “sufre” y se divierte de verdad. La forma de cruda hablar y algunas palabras políticamente incorrectas dan un aire fresco para ser más auténtica y divertida. Para mi gusto, sobran algunas chorradas y esa manía de las series españolas de querer llegar a todos los públicos con un padre que parece más una caricatura y da vergüenza ajena. El jugo que se le hubiese podido sacar a África y sus amigos podría haberla convertido de una buena serie y divertida que retrata una generación a ser LA SERIE. Otro aspecto y que se agradece, especialmente al ser emitida por la cadena pública, es que muestre la realidad idiomática de Barcelona, donde el catalán y el castellano viven en armonía y los cambios son naturales. Pero sobre todo, que la serie no se emite doblada, sino subtitulada.  Quizás me he excedido hablando de series protagonizadas por chicas y no vea y sienta lo mismo, por supuesto, pero simplemente soy un chico feminista. 

Sound of Metal – Bcn Film Fest

Crítica por Montse Delgado

en Cine

La película que da cierre a este Bcn Film Fest es Sound of Metal, con Darius Marder en la dirección y distribuida por Amazon Studios. Se prevé su estreno para este próximo agosto.

Sinopsis:

Ruben, un apasionado batería de heavy metal, está de gira con su compañera de banda y pareja Lou. Cuando Ruben pierde su audición de forma inesperada, la angustia lo corroe y su vida se ve arrollada por el caos. Internado en una comunidad de sordos, Ruben debe luchar contra la depresión y hacer frente a tentadoras adicciones del pasado.

Pese a ganar el Ojo de Oro a la Mejor Película en la categoría del Concurso Internacional de Largometrajes en el 15º Festival de Cine de Zurich y a que tiene un alto rango en críticas positivas, a mi parecer, es una película que pasa sin pena ni gloria.

Previsible en todo momento y carente de emoción. Pero no será todo negativo por mi parte, ya que este largometraje nos induce al increíble y desconocido por muchos de nosotros, mundo de los sordos. Con ello pretendo decir que sí bien no creo que sea del todo una innovación, el sonido de la película juega un papel muy importante. Tanto o más que los propios protagonistas.

Por lo demás, no deja de ser una historia más de alguien a quién le es arrebatado algo muy preciado en un instante imprevisto, y los ciento treinta minutos que dura este film, se hacen un tanto largos.

Reparto: Riz Ahmed (Venom), Olivia Cooke (Como la vida misma), Lauren Ridloff (El gran baño), Mathieu Amalric (Pearl).

Lo mejor: Lo dicho, el permanecer inmersos en el mundo de los sordos a través del sonido.

Lo peor: Larga y predecible.

Centoventi contro Novecento – Bcn Film Fest

Crítica por Rafa Catalán

en Cine

En marzo de 1975, en la ciudad de Parma, hubo un partido de fútbol espontáneo. No fue entre dos equipos profesionales, eran dos equipos de rodaje, los de Saló, o los 120 días de Sodoma y Novecento. Las películas las dirigían Pier Paolo Pasolini y Bernardo Bertolucci respectivamente. Fue un encuentro espontáneo porque en el Parque de la Ciudadela de Parma no iba a haber encuentro alguno, tan solo se estaban rodando ambos films a pocos kilómetros de allí. El director de este documental, Alessandro Scillitani, nos muestra como surgió todo, a base de declaraciones y documentación. Al parecer, además de la coincidencia de la cercanía de los dos rodajes, hubo un conflicto en el pasado entre los dos intelectuales italianos, el problema es que no nos dice cuál fue. Toda historia necesita un conflicto, el que sea, pero en este caso no existe, o no lo conocemos. Lo que nos ofrece Scillitani es tan solo la preparación y consumación del partido amateur (o “de costellada”, como decimos en Cataluña) que se hizo entre los dos equipos de rodaje. Me pregunto si ahondar en ese roce que tuvieron estos dos autores hubiera hecho de ese encuentro algo más interesante que el simple factor deportivo como nos narra el documentalista.

El director recurre a muchas (tal vez demasiadas) declaraciones a cerca de los preparativos y la difusión que hubo en la ciudad. Lo más interesante es cuando incide en la rivalidad de la propia naturaleza de las dos películas: Novecento era una superproducción con grandes estrellas mientras que Saló, o los 120 días de Sodoma era más modesta. Es por eso que la idea de Scillitani de hacerse con el evento futbolístico en tanto que tour de force del enfrentamiento entre los dos grandes cineastas, nos sirve como propuesta para imaginar otros duelos entre grandes del cine a los que la historia los puso, si no cara a cara, un poco de perfil. Los partidos podrían haber sido: Chaplin contra Keaton, Coppola contra Scorsese, Buñuel contra Berlanga, Godard contra Trauffaut, Fellini contra Visconti, Hitchcock contra Wilder, Ford contra Ray, Welles contra Kubrick, y Tarantino contra el resto del mundo. Eso hubiera sido una buena liga.

 

Quisiera que alguien me esperara en algún lugar – Bcn FIlm Fest

Crítica por Montse Delgado

en Cine

Siguiendo con la programación del Bcn Film Fest, a través de Karma Films y bajo la dirección de Arnaud Viard, este próximo 31 de julio nos llega Quisiera que alguien me esperara en algún lugar. Basada en la novela homónima de Anna Gavalda.

Sinopsis:

Aurora se prepara para celebrar su 70 cumpleaños acompañada por sus cuatro hijos, que se han reunido para la ocasión en su bonita casa familiar. Todos parecen disfrutar de una fecha tan señalada, pero en realidad sueñan con tener otra vida. Jean-Pierre, el mayor, ha adoptado el papel de jefe de familia desde la muerte del padre; Juliette espera su primer hijo a los 40 años y todavía aspira a ser escritora; Margaux es la más radical de la familia; y Mathieu, de 30 años, vive angustiado por seducir a la bella Sarah.

Este drama familiar te sorprende de la misma manera tanto con la comedia, como con la tragedia. Muestra la intensidad de las decisiones y por ende, las consecuencias que se plantean los personajes de este largometraje.

Me atrevería a decir casi al cien por cien que este film está dedicado a la vida misma, cuatro vidas que perfectamente nos pueden pertenecer a cualquiera de nosotros, lo que hace que te llegue directamente al corazón y que tengan su punto conmovedor.

Unas historias que no dejan de ser emocionantes, porque realmente lo que estamos viendo en la gran pantalla es el retrato de unas personas encerradas en un mundo que no es el suyo, quizás sí que sea el que han escogido en algún momento de su vida, pero al final, sienten que no les pertenece y de repente alguien o algo, provoca ese cambio.

Sin ser demasiado fan del cine francés, a mi parecer, es una película que no deberíamos perdernos.

Reparto: Jean-Paul Rouve, Alice Taglioni, Aurore Clément, Benjamin Lavernhe.

Lo mejor: La intensidad en la que trascurre la película y la variedad de impresiones.

Lo peor: Nada que decir.

Madame Curie “Radioactive” – Bcn Film Fest

Crítica por Montse Delgado

en Cine

A Contracorriente Films y Bcn Film Fest nos han ofrecido Madame CurieRadioactive”, bajo la dirección de Marjane Satrape (Persépolis).

Sinopsis:

Un viaje por el legado de Marie Curie desde los años de 1870 hasta la era moderna, sus logros científicos, las consecuencias para ella y el mundo y su vida sentimental. Después de conocer al científico Pierre Curie y casarse con él, la pareja cambia el destino de la ciencia para siempre con el descubrimiento de la radioactividad. La genialidad de sus avances y el Premio Nobel catapultan a la pareja al reconocimiento internacional.

Un biopic de la famosa científica que si bien, no es del todo precisa si que te cautiva de una manera profunda. Tal vez sea por su condición de mujer o por estar en un París de los años 30, pero la tenacidad, el coraje y la intrepidez la llevan a no rendirse y a luchar por sus objetivos.

Durante el transcurso de la película nos damos cuenta de que además, es juzgada por su descubrimiento. Aunque tal vez no debiera ser ella la juzgada, si no la mente humana que utiliza este descubrimiento que puede salvar vidas, en destruirlas.

Este film corrobora la energía femenina sin flaquear en ningún instante en una época dominada por los hombres.

Mención especial a la mimada fotografía del París de los 30 de la mano de Anthony Dod Mantle.

 

Reparto: Rosamund Pike (Perdida), Sam Riley (Maléfica), Anya Taylor-Joy (Glass), Aneurin Barnard (Dunkerque).

Lo mejor: El enfoque con el que está llevado el guión y los detalles sumamente cuidados.

Lo peor: Tal vez esperamos que sea bastante más veraz cuando entramos en el cine, sin embargo no podemos desmerecer nada de este film.

Cunningham – Bcn Film Fest

Crítica por Montse Delgado

en Cine

Bcn Film Fest a través de Filmin nos ha presentado Cunningham, bajo la dirección Alla Kovgan (Movement (R)evolution Africa). Un documental que estará en nuestras pantallas este próximo otoño.

Sinopsis:

Documental que reúne a la última generación de la compañía de Merce Cunnigham para representar obras emblemáticas del repertorio de este icono de la historia de la danza. Las actuaciones, presentadas en lugares poco habituales y evocadores, como un túnel, un bosque o un tejado de gran altura, se combinan con imágenes de archivo de Cunningham y entrevistas con figuras determinantes en su vida, como el artista Robert Rauschenberg y el compositor John Cage, entre otros.

Un documental totalmente cautivador de principio a fin y nada convencional que te invita agradablemente a viajar en el fantástico mundo de la danza contemporánea mezclado con el arte de la pintura y la música de la mano de los más grandes.

Este film, está dedicado a los amantes de la danza contemporánea y al arte en general, donde cuando una cosa es difícil de entender y te lo muestra como lo hace Cunnigham, se convierte en comprensión y admiración, sobre todo cuando sucede entre los años 1944 al 1972.

Un espectáculo revolucionario, innovador y sensorial en todos los sentidos. Fascina la manera que tiene de enseñar a sus alumnos sin dejar de permitir que sean ellos mismos y de qué manera convierte un movimiento cualquiera y cotidiano en un paso de baile.

 

Reparto: Carolyn Brown, John Cage, Ashley Chen, Brandon Collwes.

Lo mejor: El mimo con el que ha estado realizado el documental. Casi que, obligada su visualización.

Lo peor: Quizás sea sólo un film para los verdaderos amantes de lo contemporáneo, aunque invito a que lo vea todo el mundo.

¡Que suene la música! – Bcn Film Fest

Crítica por Rafa Catalán

en Cine

Dice el refrán (y canta El Último de la Fila) que “quien canta, su mal espanta”. Ahora hay uno más en la lista, Peter Cattaneo, quien 23 años después de su aclamada Full Monty, hace piña con esta máxima en su último film. A través de A Contracorriente nos llega Military wives (sin comentarios respecto a la mutación del título en español), una estupenda feelg-good movie digna de proyectarse en los cines en doble sesión junto a la recuperada Cinema Paradiso en estas semanas o emitirse en televisión en plena Nochebuena. Poco más habría que decir, ya que estos serían suficientes referentes para asegurarse el salir de la sala con una sonrisa de felicidad bajo la mascarilla. Pero hay más, puesto que Cattaneo sabe trasladar bien a la pantalla la historia basada en hechos reales de este grupo de mujeres.

Durante la Guerra de Afganistán, las mujeres de los soldados británicos destinados al frente conviven en una base militar inglesa donde formarán un coro de canto ahuyentando así su malestar ante tal espera. De inicio, como buenas Penélopes con sus respectivos Ulises en la batalla, empiezan ocupando su tiempo tejiendo calcetines o fundas de tetera, cosa que parece no tener cabida ya en los tiempos que corren. Aparece también entre ellas otras aficiones como el alcohol o el caer en la dura melancolía, siempre a la espera de un comunicado de esa peor noticia. Ante tal panorama pues, lo mejor es ir todas a una y abrir el corazón al cante. Lo dicho: el que canta, su mal espanta. La referencia directa es sin duda el Full Monty del mismo autor, su versión femenina, podría decirse a grandes rasgos, incluso la cinta llega a ser un tanto maniquea: parece estar estructurada sobre la plantilla de aquella juvenil School of Rock de Richard Linklater de 2003. Tal vez le falte más referentes hits ochenteros como los que ofrece al inicio, para así entrar en ese saco tan de moda ahora de revivals de la época como Bohemian Rapsody (2018), Rocketman (2019), e incluso aquella maravilla que fue Sing Street (2016), pero en general se aguanta gracias a su sencillez y buena fe.

Corpus Christi – Bcn Film Fest

Crítica por Rafa Catalán

en Cine

En 1989, Neil Jordan ya releía con Nunca fuimos ángeles la serie de los años 50 My Three Angels donde unos delincuentes se hacían pasar por sacerdotes y acababan ayudando a la comunidad. Todo en clave de comedia (a pesar de lo insoportable que estaban Robert DeNiro y Sean Penn). Basada en hechos reales y rival al Oscar de este año de la imparable Parásitos y de Almodóvar, Corpus Christi es el tercer largometraje de Jan Komasa, quien vuelve con una historia similar, pero más profunda. Daniel es un joven -carne de cañón­- que, en su camino, tiene la posibilidad de hacerse pasar por sacerdote y así no volver al reformatorio, conviviendo a diario con los habitantes de un pueblo e interfiriendo en sus vidas.

Por un lado, el dicho nos recuerda que el hábito no hace al monje, pero tanto en Juan 21, 15-19, como en el Silencio de Scorsese de 2016, se nos recuerda que Jesús dijo a los suyos: “Apacienta mis corderos”, en tanto que uno debe darse a los demás, sea o no ni el elegido ni el mejor ejemplo moral posible. Aun así, Daniel, desafiando la primera máxima, se verá empujado a intentar mejorar el destino de los demás. Esto lo hará queriendo cambiar también su propio destino. En un país profundamente católico como es Polonia, Jan Komasa nos dibuja a un nuevo mesías en pleno desequilibrio que, antes de darse por vencido y desmoronarse, se deja llevar por la entrega total hacia el prójimo.

Por voluntad directa o bien por mandato divino, el joven Daniel se verá impelido a seguir por la senda del bien, gracias al haber vestido las ropas de pastor.  Todo ello en un discurso que podría llegar a ser denso e infumable, pero que Komasa sabe medir bien el ritmo y poner las justas notas de humor y no la deja embarrarse en una seriedad excesiva, de manera que su discurso queda ameno y ligero. Podría haber pecado de caer en una solemnidad de primera capa para luego no cuajar en el fondo, pero gracias a la definición de sus personajes, seguimos de la mano del protagonista su redención, sin tropiezo alguno. Con Corpus Christi, este joven autor parece afianzarse como una de las promesas del cine europeo.

Nueva edición de cortometrajes de la Muestra Cinemoteka a la Freska

en Cine

Llega el verano y con ella una nueva edición de la muestra de cortometrajes a la fresca de La Cinemoteka, en colaboración con la Asociación Socio Cultural del Turó de la Peira y con el Centre Cívic de Can Basté.

En esta nueva edición, la tercera, la muestra se realizará en dos jornadas, los martes 7 y 14 de julio a las 22 horas en la plazoleta de Can Basté del distrito de Nou Barris de Barcelona, muy cerquita de la plaza de Virrei Amat.

24 cortometrajes seleccionados de los más de 300 que han llegado a través de las plataformas de Festhome y Clicks For Festivals.

El espíritu con el que nació esta muestra no es el de competir, es el de mostrar e intercambiar ideas en la producción y realización audiovisual, con trabajos que son difíciles de ver en las salas de cine. En definitiva, lo que se espera, como en las anteriores ediciones, es tener unas jornadas festivas de cine, donde el público podrá intercambiar impresiones con los autores de los trabajos expuestos.

Los cortometrajes del martes 7 de julio de 2020, con una duración total 66 minutos, son:

-EL SINDROME DE JORGE de Julio Espinosa

-HORRORSCOPE de Pol Diggler

-27 MINUTOS de Fernando González Gómez

-EL GOLPE DEL SIGLO de Ignacio Grifol y Beatriz J. López

-QUIERO CONTARTE ALGO de J.K.Álvarez

-PELO DE PERRO de Eloi Román

-SUEÑOS ROTOS de Aitor González

-CASA de Alberto Evangelio

-DESORDEN de José León Rodríguez

-DUDILLAS de Pedro Rudolphi

 

El programa del 14 de julio, con una duración de 65 minutos, es:

-AL FILO DEL TIEMPO de Ana Bear

-CITA A LAS 10 de Eitan Sandom

-COCODRILO de Jorge Yudice

-PETIT A PETIT de Sara Samort

-77 de Raúl Mancilla

-OBSOLESCENCE de Jesús Martínez Tormo

-ALÉJATE de Joaquin Macho

-SEARCHING de Manuel Martín Macía

-DOWN TO HEART de Francesc Nogueras

-NO APTO PARA MENORES de Daniel Noblom

-ROSA de Tess Masero

-TE VOY A PONER MIRANDO A MOTILLA DEL PALANCAR de Vicente García

 

Las dos jornadas son gratuitas al publico.