Archivo

Cine - página 4

El Brain Film Fest celebra la seva 3a edició presencial de l’1 al 3 d’octubre amb la participació de Viggo Mortensen i la seva pel·lícula Falling

en Cine

El Brain Film Fest, el festival internacional de cinema dedicat al cervell, ha canviat les seves dates i celebrarà la seva III edició del 1 al 3 d’octubre de manera presencial al Teatre del CCCB que torna a ser el punt de trobada de diferents disciplines dedicades al cervell tant pel que fa a les malalties que l’afecten, com a la seva funció essencial com a acumulador de coneixement, memòria i identitat.

El BFF ha impulsat el concurs Covid Curts, de curtmetratges fets durant el confinament decretat per la pandèmia del Covid-19 amb la intenció de reflexionar i posar la mirada sobre les conseqüències d’aquesta crisiS’han rebut propostes de diversos  llenguatges audiovisuals, i s’han prioritzat aquells treballs que aborden el tema de les condicions del cervell a partir del confinament, des de salut mental, fins a cures a persones amb demència i, en un sentit ampli, amb la gestió de les emocions durant la pandèmia. Els curts seleccionats es poden veure al lloc web del festiva li el guanyador rebrà un premi de 500€ i s’anunciarà a la clausura del festival.

El Brain Film Fest inclou el visionat dels curtmetratges seleccionats pel Xè Premi Solé Tura i culmina amb la gala de lliurament d’aquest guardó. El jurat està format per Ventura Anciones (neuròleg), Ana Belén Callado (periodista), Andrea Escobar (educadora social), Ignacio Martínez de Pisón (escriptor) i Mireia Ros (directora de cinema). El jurat triarà els tres millors curtmetratges que rebran premis en metàl·lic per valor de 3.000 euros. Mitjançant una votació on-line, també es decidirà el premi Micro Curts (peces de menys de 2′ de durada). Per les restriccions de seguretat, enguany no es podrà donar el premi del públic presencial.

El festival té una nova plataforma digital: del 15 al 30 de setembre és pot veure al canal propi de Filmin una selecció de 10 pel·lícules recomanades.

L’assistència al Brain Film Fest és gratuïta per a totes les activitats, excepte els tallers. La inscripció als tallers té un preu de 4€-6€. L’aforament a totes les activitats és limitat especialment en aquesta edició, i cal fer  la inscripció prèvia online a:
:https://brainfilmfest.eventbrite.es

Fire Barcelona 2020 At Home

La Mostra ofreció la versión online del 10 al 20 de septiembre - Crónica por Jorge A. Trujillo

en Cine

En estos tiempos de Pandemia e incertidumbre, La Mostra Fire de Barcelona, un referente dentro de los festivales LGBTIQ+, no nos dejó sin la edición del año más raro, el 2020. Es cierto que no la disfrutamos como cada año en el Institut Francés de la ciudad Condal y tampoco fue en pleno verano, pero tuvimos la oportunidad de no perdernos este siempre interesante Festival en Filmin. La particular noche de inauguración arrancó con “C’est ça l’amour” de Claire Burger. Un drama familiar que nos muestra el descubrir y primer paso de madurez de una adolescente en una familia que busca su forma de estar junta y demostrar su amor. La historia la vemos desde el protagonismo de su padre, que busca por todos los medios recuperar a su mujer y mantener el amor de sus hijas pero en especial, encontrarse a sí mismo. Es una película tierna, bastante adaptada, puede ser, a las familias reales y al camino que buscan dentro de la disfuncionalidad. Quizás no es precisamente una película que podríamos denominar LGBTIQ pero la temática es importante. Muy recomendable para recordar momentos de adolescencia y la búsqueda continua de nuestros caminos, en varias etapas de la vida.

La Mostra de este año rinde homenaje a uno de los directores fetiche del Festival, el argentino Marco Berger. En Fire At Home en Filmin podemos ver algunos de sus clásicos, que ya pasaron por Fire en ediciones pasadas, como “Un Rubio” o “Taekwondo”. Pero, quienes seguimos cada año este festival y conocemos casi toda la filmografía del director argentino, teníamos ganas de ver su última obra, “El Cazador”. De nuevo nos encontramos con una película de la marca de Berger y por tanto del Fire, cuerpos masculinos, intriga en las relaciones personales y amorosas, sensualidad e historias naturales y realistas para un perfil concreto de hombres gays. Sin duda, las películas de Berger llenaban las salas en pleno festival durante el calor de Barcelona y eso hacía subir la temperatura, a lo que Berger ayudaba con muchas de las escenas. En este caso, no se pierde la esencia de su filmografía pero juega más con la intriga, llegando a inquietar un poco. En este caso, el director da un paso más y trata un tema delicado que afecta a la intimidad en nuestra sociedad de las redes sociales e internet, incluso donde se denuncian mafias. Un tema delicado pero tratado con respeto, transmitiendo las dudas, los miedos y los momentos frágiles de las víctimas, que bajan la media de edad en comparación con sus anteriores largometrajes.

Que se haga la luz” de Marko Skop es una impresionante, escalofriante y dura película sobre algo que tenemos en Europa, el crecimiento de los neo-fascismos en la profunda Europa pobre y excluida. Magistrales interpretaciones y toda una apertura de ojos para quienes desde Europa miramos a países del hemisferio sur con prepotencia,  cuando hablamos de sus sociedades, religión e intolerancia. Es una película imprescindible para alertarnos de lo que poco a poco, sin darnos cuenta, va creciendo y pone en riesgo nuestras libertades y derechos conseguidos. Se empieza atacando a los migrantes y a la comunidad LGBTIQ pero luego vienen los ataques a los derechos y libertades de todos y todas. Gran elección de La Mostra 2020.

Otra de las películas a resaltar sería “Los fuertes” de Omar Zúñiga Hidalgo, aunque no es una gran obra maestra, sí trata con sencillez y naturalidad la relación de dos hombres que se conocen en una ciudad pequeña de Chile. Cada uno enfrenta los miedos propios y sus búsquedas personales, mientras descubren lo que van sintiendo por el otro. Ciertamente, se caen en algunos tópicos o situaciones simplificadas y quizás algunas situaciones poco creíbles en el interior de Chile, pero quizás nuestro desconocimiento y mirada desde Europa nos cega demasiado. Resaltar la buena fotografía y la maravilla de los paisajes.

“Rialto” de Peter Mackie Burns es una conmovedora película sobre la crisis de la mediana edad y de lo que se ha esperado hasta ahora de un hombre y padre familia, que por suerte está cambiando. Es un drama de cómo hacer bien o mejor la vida propia y la de quienes te rodean, aunque tus errores, unos tras otros, hacen difícil el camino y afectan a los demás. Ciertamente, es un reflejo del difícil y doloroso camino personal, y si añadimos también esa aceptación tardía de la orientación sexual. Película dura pero muy recomendable.

El hombre nuevo” de Aldo Garay es un conmovedor e impresionante documental sobre el retrato de Estefania, una mujer trans de origen guatemalteco que vive en Uruguay. Su vida en el país sudamericano es completamente diferente a la que dejó en su país de nacimiento. Ella regresa tras más de 30 años fuera y su familia, vecinos y algunos amigos “lo” recordaban como Roberto y cómo el joven militante sandinista. Tanto Estefania como los suyos en Nicaragua deben enfrentarse a los cambios. Perfiles como el suyo muestran lo mejor y lo peor de la humanidad, pero desde luego, nos da a conocer una persona muy valiente y una historia digna de contar.

“Vento Seco” de Daniel Nolasco era una de las más esperadas tras la buena recepción que tuvo en la última edición de la Berlinale. Interesante película brasileña que rompe con prototipos de masculinidades al mostrar otros cuerpos (aunque algunos sí muy normativos). Película muy explícita e influenciada por el cine de los 70-80 a nivel estético y algunos movimientos sociales. La historia es un poco típica/tópica pero al mostrar fantasías del protagonista y momentos amenos, la hace muy entretenida. En la Berlinale, el director y el equipo hicieron una declaración de intenciones políticas con respecto a cómo hicieron la película: en una zona donde votan masivamente a Bolsonaro y mintieron piadosamente para sacarla adelante.

“Música para morir de amor” de Rafael Gomes es un película que se queda de camino entre la comedia, el videoclip, telenovela y drama. Parte de una idea que podría haber sido interesante y pese a tener momentos divertidos y algunas situaciones realistas, no se le saca el jugo necesario para que transmita más verdad.

Cortometrajes:

Siempre soy de los que piensa que en festivales debemos ver todos los cortometrajes. Ahora bien, señalo mis favoritos: “Dirty” de Matthew Puccini muestra la ternura y miedos de las primeras experiencias sexuales. “Isha” de Christopher Manning nos expone los dilemas y las dobles vidas de personas que, por múltiples razones, han de mantener vidas diferentes con la familia y con el resto del mundo. “Ayaneh” de Nicolas Greinacher nos muestra con ternura, realismo y dureza el despertar de una refugiada que decide vivir su vida en un país de acogida pese a ir en contra de la tradición familiar. En el mismo sentido, más o menos, va “A donde quieras” de Mariano Álvarez pero la carga la trae el contexto rural de la Argentina profunda. “XY” de Anna Karín Lárusdóttir es el delicioso, duro y realista cortometraje de un tema que sigue siendo necesario mostrar, la intersexualidad. “Zapatos de Tacón Cubano” de Julio Mas Alcaraz la tierna historia de jóvenes gitanos que buscan su lugar en el mundo pero deben enfrentarse a todas las dificultades que les trae vivir en barrios marginales y complicados de la España invisible. “Leah se pronuncia Lía” de Federico Calabuig conmovedora y emocionante historia mediante un mensaje de voz. 

Consulta las películas premiadas.

‘Salir del Ropero’, ya en cines

Crítica por Montse Delgado

en Cine

Filmax nos presentó el 11 de setiembre Salir del Ropero. Un film escrito y dirigido por Ángeles Reiné.

Sinopsis:

Eva, una joven y prometedora abogada española afincada en Edimburgo, ve peligrar sus planes de boda con el heredero de una importante y ultraconservadora familia escocesa, cuando se entera de que su abuela, Sofía, ha decidido casarse… con su amiga del alma, Celia.

La decisión de Sofía de casarse a sus 74 años con Celia, desafiando todos los convencionalismos sociales y religiosos, pone patas arriba la vida de Eva que intentará impedir por todos los medios que esa boda se celebre, con la complicidad de Jorge, el hijo de Celia, que se una a la causa de Eva por diferentes razones.

Pero Eva no cuenta con la reacción del resto de su peculiar familia, que, lejos de ayudarla, apoya la decisión de las dos mujeres.

Salir del ropero, es una obra magistral contra todos los tabúes que dispone la sociedad con la homosexualidad, y la presenta con experiencia y madurez. Porque en el fondo, refleja la voz oculta que no se quiere mostrar ante los demás hasta que te afecta personalmente.

Una película que se enfrenta a los valores familiares, sociales y eclesiásticos por encima de todo. Nuevamente, nos encontramos ante una comedia/romántica donde el amor prevalece ante cualquier vicisitud.

Salir del ropero es un film cargado de humanidad y buenas intenciones aleccionándonos un poco a todos.

Un homenaje a Rosa María Sardà que, está espléndida en su papel de Celia sin desmerecer a ninguno de los demás actores, ya que todos y cada uno de ellos sacan lo mejor de sí mismos.

Mención especial a la música de Lucas Vidal y a la fotografía de José Luis Alcaine.

No es necesario desvelar nada más, sencillamente, vale la pena salir de casa y meterse en el cine para verla.

Mi valoración es de cinco estrellas sobre cinco.

Reparto: Rosa María Sardà (Año de Gracia), Verónica Forqué (Historias de nuestro cine), Ingrid García Jonsson (En las estrellas), David Verdaguer (Tierra firme), Candela Peña (Kiki, el amor se hace), Álex O’Dogherty (El tutor)…

El pasado viernes se estrenó ‘After. En mil pedazos’

Crítica por Montse Delgado

en Cine

El pasado viernes se estrenó After. En mil pedazos de la mano de Diamond Films y esta vez con Roger Kumble bajo la dirección.

Sinopsis:

Hardin, siempre será… Hardin. ¿Pero es realmente el chico profundo y reflexivo del que Tessa se enamoró se enamoró locamente, o ha sido un extraño todo el tiempo? Ella quiere alejarse, pero no es tan fácil. Tessa se ha centrado en sus estudios y comienza a trabajar como becaria Vance Publishing. Allí conoce a Trevor, un nuevo y atractivo compañero que es exactamente el tipo de persona con que la debería estar. Hardin sabe que se equivocó, quiere corregir sus errores y vencer a sus demonios. No va a perder a Tessa sin pelear. Pero, ¿puede el amor vencerlo todo?

Esta saga basada en el libro de Anna Tood, ha cambiado de dirección y ha subido de tono. Una película donde casi en su totalidad las escenas sensuales se convierten en eróticas y a pesar de que es un film dedicado exclusivamente al público adolescente, prevalece el poder de las miradas y los roces, y eso, tengas la edad que tengas, provoca una sensibilización general referente al sexo. Aunque, carece de argumento. Broncas sin sentido, y escenas que no dejan de ser sólo unas chiquilladas que incluso nuestros adolescentes superarían sin darles menor importancia.

Dos puntos a matizar, el primero es que desde hacía, casi diría que años, que no encontraba una película erótica/romántica que despertara lo que tanto proclamo, el sexo con el amor, las caricias con las miradas, los roces con la piel erizada… Y segundo, me fastidia muchísimo que esta clase de género, esté única y exclusivamente dedicada al público más joven, sin embargo, también es una manera de enseñar el poder de todo el conjunto a los más adolescentes. Quizá este punto de vista lo tenga porqué soy una mujer del siglo pasado.

A parte de todo esto, es una película sin apenas relevancia más que a lo expuesto. Sí eres joven y quieres salir del cine con cierto grado de excitación… ves a verla.

En esta ocasión omitiré lo mejor y lo peor, porque pienso que ya lo he expresado con bastante claridad. Pero sí que le daré cuatro estrellas sobre cinco, por la manera tan sumamente cuidadosa que han conseguido tratando con la sensualidad y la sutileza.

Reparto: Hero Fiennes-Tiffin (After. Aquí empieza todo), Dylan Sprouse (Banana Split), Josephine Langford (Siete deseos), Selma Blair (Mamá y papá), Candice Accola (Deadgirl)…

The Boys – Cuando la ficción de los superhéroes se vuelve de lo más bastarda

Crítica por Rafa Catalán

en Cine

Hoy 4 de septiembre nos llega la segunda temporada de una gamberrada llamada TheBoys, que deja a artefactos como aquel Suicide Squad de 2016 a la altura del barro. Aquellos a los que decepcionó la chorrada de David Ayer, esperando algo mínimamente rompedor respecto a la ficción de los superhéroes, que entren por favor en el universo de TheBoys. Desde su inicio, disfrutarán como gorrinos en el barro ante un desfile de tópicos y contra tópicos con los que acabarán aplaudiendo en el sofá su irreverencia y, de paso, verán algo de esta nuestra era Trump.

Ni en la Marvel, ni en la DC, TheBoys nació en la Wildstorm en 2006, y de ahí pasó en 2019 a televisión de la mano de Amazon Prime Video. Su primera temporada está disponible en la citada plataforma, y este 4 de agosto vimos el tráiler más largo de la segunda temporada. Los tres primeros episodios de su esperada temporada 2 (frotémonos las manos: también hay una tercera) nos llegan el 4 de este mes en Amazon.

Se recomienda ver en versión original, ya no sólo para meterse más en la trama a través de las interpretaciones, sino para notar las coñas entre estadounidenses y británicos cuya guinda está en el neozelandés Karl Urban, que aquí hace de british bastardo, y digo bastardo porque su personaje parece inspirado en el Aldo Ray de aquella cinta de Tarantino con título similar, y de ahí ―estad atentos― al parecido acting que hace (siempre) Urban con el de Brad Pitt.

En una sociedad sin ídolos ni dioses, sin referente alguno, tan solo con un liberalismo individual del que los mismos superhéroes se han quedado prendados, estos lo ponen en práctica abusando a placer del resto de mortales. Todo ello con sorna e iconoclastia y ―ojo al dato― con toques de gore, cosa que ya anuncia en el primer minuto de su episodio piloto. Cada capítulo aprieta la trama de forma que nos clava en el sofá pero, a la vez, cada capítulo suelta una burrada con la que nos hace levantarnos y decir “¿¿WTF??”. En definitiva, TheBoys, los chicos, es uno de esos tebeos adultos imprescindibles por su irreverente humor negro y su gamberra crítica social.

Podría destruirte – Serie disponible en HBO

Crítica por Mily Hual

en Cine/Plataformas

Hablemos de sexo, consentimiento, violencia y sanación.

La idea de sexo consentido parece algo simple de reconocer. Cualquiera podría asumir que se trata de sexo deseado entre dos o más personas, donde ninguna opone resistencia y todo se hace con la sola intención del placer de todas las involucradas. ¿Pero realmente es tan simple? ¿Dónde comienza y acaba el consentimiento? ¿Se puede poner un final al consentimiento dado previamente?

Podría destruirte es un viaje al infierno. Un infierno habitado por recuerdos borrosos de una violación, por recuerdos de placer consentido que se tornó en violencia, por mentiras y por comportamientos tóxicos propios de un machismo que no acepta un no por respuesta.

En esta serie, su autora, directora y show runner, Michaela Coel, habla desde su propia experiencia, poniendo el dolor sobre la mesa como antídoto para salir del lodo que condena enfrentarse ya no solo a la experiencia en sí, sino también a un crimen que posiblemente jamás encontrará justicia.

Si bien es una serie cuya historia principal es la historia de una violación, las subtramas y los guiños a diferentes temáticas son constantes. Desde la transfobia hasta el racismo, pasando por el uso de las redes sociales, Coel hace una disección de la sociedad actual, sus miserias, sus miedos y sus preguntas sin respuesta. Todo esto bajo las luces de neón londinenses, las drogas, el alcohol y las múltiples caretas que emplean sus personajes para enfrentarse con la realidad: pelucas, filtros de redes, atuendos extravagantes, imaginación desbordada. Nada es casual en esta serie que destila destreza cinematográfica, creatividad y un casting a la altura.

Arabella, la protagonista, se enfrenta a las secuelas de su violación rodeándose de sus amigos, pero ellos no están exentos ni de sus propios traumas ni de culpa. Kwame, uno de sus mejores amigos, se enfrenta a una situación similar. La diferencia recae en que él es un hombre gay, y su entorno no está preparado para afrontar la realidad de la violencia, él mismo tiene sus dudas y, desde luego, la sociedad lo cuestiona constantemente. Por otro lado, Terry, la mejor amiga de Arabella, se enfrenta a la culpa de haber dejado sola a su amiga, de no haber estado allí; además de sus propios conflictos en sus relaciones sexuales y de pareja.

Podría destruirte hace un recorrido por las secuelas de un trauma que posiblemente no tenga remedio. Es precisamente la búsqueda de esa sanación, de una especie de redención y de justicia lo que lleva a Arabella a imaginarse múltiples escenarios finales en un episodio final magnífico. La creatividad puede ser una salida, o a lo mejor lo es la violencia, o el perdón, ella no lo sabe a ciencia cierta, pero parece dispuesta a darle una oportunidad a cada escenario para poder poner fin a algo que la está destruyendo por dentro, y que podría destruirnos a todas.

‘Colors out of Space’, ya en cines

Crítica por Montse Delgado

en Cine

A Contracorriente Films nos presentó el 7 de agosto “Colors out of Space”, una película basada en el relato de H. P. Lovecraft y dirigida por Richard Stanley.

Sinopsis:

Los Gardner se mudan a una granja remota de Nueva Inglaterra. Están ocupados adaptándose a su nueva vida cuando un meteorito se estrella en su patio. El misterioso aerolito parece derretirse en la tierra, infectando el terreno con un color brillante de otro mundo. Para su horror, la familia descubre que esta fuerza alienígena está mutando gradualmente cada forma de vida que toca… incluido ellos.

Colors out of space es un film entre ciencia ficción y terror, rozando lo gore. Para los aficiones a este género seguro que será una película con altas expectativas. Pero, para los que no lo somos tanto, es una film que genera muchos porqués.

Prácticamente no puedo destacar nada que no haya visto ya en anteriores películas de este género, ni tan siquiera el trabajo de los actores donde el plato fuerte parece ser un Nicolas Cage para nada dando su cien por cien y siendo el gancho para que la película genere un público devoto al actor.

En fin, que incluso el color más hermoso puede perjudicarte cuando menos te lo esperas.

Reparto: Nicolas Cage (La hora de la venganza), Q’orianka Kilcher (Hostiles), Joely Richardson (Un golpe a la inglesa), Tommy Chong (Evil Bong), Madeleine Arthur (A todos los chicos de los que me enamoré)…

Lo mejor: La velocidad en la que transcurre el film.

Lo peor: La absurdez de algunas escenas.

De Gaulle, próximamente en cines

Crítica por Rafa Catalán

en Cine

De la mano de A Contracorriente, nos llega una de las películas a competición del último BCN Film Fest, De Gaulle. Como su nombre indica, esta cinta francesa dirigida por Gabriel Le Bomin, trata la figura del general Charles de Gaulle y narra los momentos en los que sus decisiones y su intervención en la Segunda Guerra Mundial fueron decisivos para Francia. Para ello, se destaca por encima de todo la perseverancia y la fe que tuvo el general para seguir con la participación de su país en la contienda y su defensa ante el armisticio y la derrota.

El film puede recordar a El instante más oscuro (2017), y quien encarna a De Gaulle, el ya veterano Lambert Wilson, a quien hizo lo propio con Churchill, Gary Oldman. Esto es por su por su tratamiento a la hora de radiografiar la vida personal del mandatario a la vez que enmarca los acontecimientos que pasaron a la historia. Todo ello se logra gracias a un ritmo firme que aporta información sobre la vida personal y política sin abusar de excesivos datos. La banda sonora, además, peina muy bien el relato: no amplifica al personaje ni lo entristece ni tampoco lo deja ambiguo con tonos graves, De Gaulle acaba dibujado como un hombre de familia por encima del líder, a la vez que la fotografía es impecable ya que desaparece ante el espectador, una vez lo ha metido en su atmósfera.

Lo mejor es Lambert Wilson quien, repito, es a De Gaulle lo que Gary Oldman fue a Churchill; el parecido inicial es básico pero la transmisión que consigue es gracias a esa interpretación sobria y basada en hacer desaparecer al actor para que simplemente aflore el personaje. Algún secundario llama la atención por parecerse más a Le Pen que al Churchill que interpreta, pero en general, De Gaulle es un documento correcto a cerca de una figura que, sin ser llegar a ser un héroe, fue básica para Francia y la Segunda Guerra Mundial.

 

Little Monsters se estrena el 31 de julio

Crítica por Rafa Catalán

en Cine

En el año 2013, al ver la película Gravity, una cosa me quedó clara: se seguirán haciendo films de ciencia ficción, pero ya no serán lo mismo, un poco siguiendo la idea que ya surgió con aquella 2001, Una odisea en el espacio de 1968 y que así fue ocurriendo en cada década con una obra representativa, marcando así la evolución del género, en este caso el de la ciencia ficción (véase el Blade Runner de 1982 o el Matrix de 1999). Del mismo modo veo que el único problema de esta Little Monsters de 2019 es el ser posterior a Zombieland (2009): esta última fue un hito, una auténtica renovación del género zombi, mientras que Little Monsters, uniendo de igual modo ese subgénero del terror con el humor, y teniendo una factura correcta, parece anterior a la citada locura hilarante de Ruben Fleischer.

De inicio, la historia es más divertida contada: el joven inmaduro Dave, que acaba de salir de una relación sentimental, acompaña a su sobrino y sus compañeros de escuela a una excursión. Allí, junto a la profesora Miss Caroline (Lupita Nyong’o), formarán el grupo base que deberá lidiar con un piélago de zombis que acaban de escaparse de una central nuclear que resulta estar a cien metros del parque. A partir de aquí, todo vale porque, de hecho, todo está dado ya: lo que uno pueda prever, lo adivinará. Y lo que no, lo pudo llegar a intuir. En definitiva, es la plantilla que parte de aquel Rio Bravo de Howard Hawks que George A. Romero renovó en 1968, con su mítica La noche de los muertos vivientes y más adelante John Carpenter con su Asalto a la comisaría 13 de 1973, pero esta vez con un grupo de niños y unos pocos adultos, algunos de ellos bastante desubicados en pro de la comedia. Con todo, tiene sus puntos que la hacen destacable de un cierto estilo, especialmente en el de las situaciones alocadas (a veces, demasiado). Es de las que los zombis van lentos, no corren, del estilo agónico y pesadillesco de Romero, no del brutal y colérico Danny Boyle, lo cual da un toque de grand guignol bastante simpático. Y, lo mejor, es su falta de complejos a la hora de que Lupita armonice toda la acción con un ukelele, poniéndolo todo al borde de un loco musical. Pero en general, hay que admitir que cuando uno ha entrado en el ritmo de su propuesta de zombie walk, la película queda simpática.

‘La isla de las mentiras’ se estrena en Filmin el 24 de julio

Crítica por Montse Delgado

en Cine/Plataformas

Bajo la dirección de Paula Cons y de la mano de Filmax, el próximo 24 de julio se estrena en la plataforma Filmin, La isla de las mentiras.

Sinopsis:

Inspirada en hechos reales. La madrugada del 2 de enero de 1921, el buque Santa Isabel, con destino Buenos Aires y 260 personas a bordo, se hunde frente a la escarpada y dura costa de la isla de Sálvora, en Galicia. A falta de hombres en la isla tres jóvenes isleñas, María, Josefa y Cipriana, deciden ir al rescate salvando a 48 personas, un acto heroico que pagarán muy caro.

Tras estos hechos, un periodista argentino, León, acude a Sálvora para cubrir la noticia del naufragio. Poco a poco irá descubriendo que esa noche se produjeron demasiadas casualidades en la isla, llegando incluso a sospechar que el naufragio pudo ser provocado.

Mientras tanto, ya nada será igual. El naufragio sacudirá y cambiará para siempre la vida de la isla.

Un film interesante desde el primer momento, y aunque muchos ya nos conozcamos la historia, está filmada con un cariño especial logrando transportarte al lugar y al año de los acontecimientos.

Un maravilloso drama dedicado a las isleñas, al mar y según rezan titulares de los periódicos de antaño, al Titanic Español. En él se refleja la dureza y la fuerza de las mujeres de aquella época sin pasar por desapercibido el hecho de la supervivencia.

No hay que dejar de apreciar, tanto la fotografía de la mano de Aitor Mantxola, como el vestuario tan acertado y sobre todo, la gran actuación por parte de los actores. Personalmente, es una película que volvería a ver.

Reparto: Nerea Barros, Aitor Luna, Darío Grandinetti, Victoria Teijeiro, Ana Roca

Lo mejor: Los paisajes marítimos tomados en filmación con tanto mimo y la manera en que está procesada esta gran historia.

Lo mejor: Quizás, sólo quizás, hay diálogos que se ven un tanto forzados, pero al fin y al cabo, nada sin más importancia alguna.